伦勃朗是金星,他是有光环的土星

日期:2019-09-12编辑作者:戏剧

 

 

菲利普·肯尼考特(Philip Kennicott)是为《华盛顿邮报》撰写艺术和建筑评论的专栏作家。2014年,他写过一篇文章,指出五条关于欣赏艺术的建议。相对于昨天的四条,这五条建议更详细,里面有些观点更尖锐,但也很有意思。翻译出来供大家参考。

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有人认为他的水平与伦勃朗相当,甚至可能超过伦勃朗,是有史以来最伟大的大师。个人拙见,我喜欢把他们看做木星和金星,在蚀刻版画的天穹里,在所有的行星当中,他们是最明亮的两颗。

有位朋友在读苏珊·桑塔格的《论摄影》,看到这样一段话:

至于你说是昨天的四条对,还是今天的五条对?都对,更具体的分析,请参见今天的第五条。

逛艺术馆的时候,你会在咖啡馆里面坐下来歇歇脚,喝杯拿铁,吃块提拉米苏吗?《如何逛艺术馆》中指出:我们应该重新思考餐厅的价值,因为这里是最适合聊艺术的地方。

这是马丁·哈代(Martin Hardie,1875-1952)的话,他曾任伦敦维多利亚和阿尔伯特博物馆版画和素描门类的策展人。

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艺术君最受启发的,就是里面的这几句:

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上回提到,打完跟拉斯金的官司,惠斯勒虽然赢得了判决,却输光了家当。1879年5月,惠斯勒不得已宣布破产,所有作品、收藏、房产都被清算、拍卖。

她的问题是:

在美术馆中游荡多年之后,我已经接受了对于艺术极端矛盾、水火不相容的想法。这种认识常见的口水话是:艺术强迫我们面对矛盾,从而让我们变得更具人性。但绝不要相信任何只说后半句的人:“艺术让我们变得更具人性。”这毫无意义。

实际上,艺术强迫我们面对矛盾,从而让我们变得荒谬,暴露出我们可悲的想法:试图让经验变得有意义;揭示出我们对于自己和世界那令人难以置信的错误理解。这是让人难以接受的、危险的东西,不能等闲视之。

艺术能让你饥饿。饥饿到什么程度? style="margin: 0px; padding: 0px; max-width: 100%; line-height: 1.6;">希望从艺术馆游览中收获最多的人,应该重新思考餐馆的意义。

这时,他唯一东山再起的希望,就寄托在一桩委托上。伦敦的美术协会和一些艺术商人知道惠斯勒在版画上的杰出水准,所以委托他创作一组 12 幅蚀刻版画。

为什么照片的扩散是对庸俗作品的肯定呢?超现实主义者跟马克思主义者有什么关联呢?

不少人问学计算机的艺术君:以前做技术的,为什么现在改头换面聊艺术?艺术君总说:因为技术不能解决人性的问题,艺术有可能。

最能增进你的食欲的,不妨说,莫过于一幅有龙虾和水果的静物画,它们看上去那么丰盛,你几乎可以尝到珍珠般虾肉的新鲜海味,还有闪烁着光彩的葡萄、甜瓜和蜜桃大杂烩的香甜味道。

1879年9月,惠斯勒前往威尼斯,原定3个月,后来拉长到 14 个月。这14个月画家极其高产,奉献出 50 幅蚀刻版画,多幅《夜曲》系列油画,一些水彩,还有 90 多幅粉蜡笔画。威尼斯的小街、运河、迷人的建筑细节、贡朵拉,还有串念珠的人,都留在了他的作品中。

艺术君遇到中文看不懂的情况,都得回去看原文。这一段也是:

菲利普的这几句话,包括这篇文章,深化了艺术君的想法。

图片 3《有龙虾和水果的静物》by 扬·戴维斯·德海姆

他在给友人的信中写道:

The lure of photographs, their hold on us, is that they offer at one and the same time a connoisseur’s relation to the world and a promiscuous acceptance of the world. For this connoisseur’s relation to the world is, through the evolution of the modernist revolt against traditional aesthetic norms, deeply implicated in the promotion of kitsch standards of taste. Though some photographs, considered as individual objects, have the bite and sweet gravity of important works of art, the proliferation of photographs is ultimately an affirmation of kitsch. Photography’s ultra-mobile gaze flatters the viewer, creating a false sense of ubiquity, a deceptive mastery of experience. Surrealists, who aspire to be cultural radicals, even revolutionaries, have often been under the well-intentioned illusion that they could be, indeed should be, Marxists. But Surrealist aestheticism is too suffused with irony to be compatible with the twentieth century’s most seductive form of moralism. Marx reproached philosophy for only trying to understand the world rather than trying to change it. Photographers, operating within the terms of the Surrealist sensibility, suggest the vanity of even trying to understand the world and instead propose that we collect it.

人性的问题,源于人性的复杂;人性的复杂,源于世界的复杂,源于人在有限的时间和空间中,面对世界、他人和自己面对的无限可能。在有限的人生与无限的可能之间,人稍微思考一下,就会意识到自己的无能为力。这种时候,如古希腊人早就发现的:只有艺术才能宣泄人的苦闷,只有艺术才有可能拯救人生。

满足你的胃口,是有价值的艺术馆之旅的必要成分。但是,如果你以为艺术馆的餐厅只是提供咖啡、蛋糕或是鱿鱼,那你就错了。希望从艺术馆游览中收获最多的人,应该重新思考餐馆的意义。可不是光为了吃的,傻瓜!

我已经了解到到:在威尼斯中还有一个威尼斯,这是其他人从未发现的威尼斯。

首先声明,艺术君没有通读英文原文,所以下面的翻译和论述都是基于自己不成熟、不全面的理解。

题图来自漫画家Brecht Vandenbroucke,他画了一本针对当代艺术的严肃绘本,叫《白立方》,艺术君看过后大称其妙,已经用手机都拍下来了,改天给大家贴几幅。

艺术馆的餐厅能提供谈论艺术的好机会,即便不是唯一的,也是最佳的机会。因为说实话,真有时间交换艺术带来的灵感和新奇想法,这样的事情会频繁发生吗?没错,很少。展厅要么太安静,要么太拥挤,无法展开对话,而且里面缺少合适的座位。餐厅里正可以舒服落座,照顾下自己的内心。这也让你有机会吸收之前的印象,轻松回想刚刚看到的作品。

结果怎么样呢?在伦敦,他的粉蜡笔作品卖得尤其好,按他自己的话说:

艺术君的翻译是:

看完第五条后,再瞅一眼题图,一定觉得意味深长。

为什么不能从餐厅开始你的游览?这么做听上去不正常,但是要想让艺术馆体验有意义,关键在于调整到合适的心态,而且先要决定这次到底要看什么。餐厅让你有时间这么做。你是要游览一间大艺术馆吗?那就在半途中回到餐厅,避免太多视觉负担,还可以跟人交换你目前的想法。“你看到那件作品了吗?”或者“我们能不能再去看看……”最后,当你的展厅之旅要收尾时,最后一次前往艺术馆。喝一杯红酒,同时可以惬意地和同游者聊天,对这次游览下个结论。

它们不如我想的那么好。它们卖得很不错!

照片的诱惑,它们对我们的掌控,在于它们一次性地、又是同时地提供了这样的关系:让我们作为鉴赏者观看这个世界,同时又不加区分地接受了这个世界。原因在于,经历了现代主义者反叛传统美学规范的演变过程后,这个鉴赏者与世界的关系深深卷入了[媚俗(kitsch)之品味标准]的推广过程。虽然有些照片,既是个人物品,又有着重要艺术作品的深度和美感,但照片的广为散发,说到底,是对媚俗(kitsch)的肯定和强化。照相术极其灵动的视角,让观者欣悦,营造出一种无处不在的感觉,是一种有欺骗性的经历感。超现实主义者,渴望成为文化的激进者,甚至是革命者。他们常常蒙蔽于出于好意的幻觉中,觉得自己可以,实际上也应该成为,马克思主义者。但是,超现实主义的美学观念中弥漫着太多讽刺,不见容于二十世纪最诱人的道德观。马克思谴责哲学只是试图理解世界,而不是设法改变世界。摄影师们拍照时有着超现实主义者的敏感性,他们认为即便是试图理解世界都是虚荣的、没有价值的,因此应该收集世界。

下面就是这篇文章《如何观看艺术:必须特别认真,不能期望太高》。

没错,为什么不考虑在一次游览中去两、三次餐厅?老实说,在几个小时内走过几百件艺术品,这样做意义何在?我们总是艺术看得太多,花时间去想得太少。“艺术是一种对话,”作家瑞秋·哈特曼(Rachel Hartman)提出,一杯好饮料或者一点好食物,有助于我们迎来这样的互动。所以,下一次,少看点儿,多聊点儿,地点是餐厅。

财务状况虽不能完全脱困,但的确得到缓解。更重要的是:很多年轻的英国和美国画家看到这些做,视他为偶像,然后心情急迫地自称“惠斯勒的学生”。很多人回到美国,开始传播他的机智、他那让人不安的自大狂倾向,还有他的美学宣言。惠斯勒的传奇,就这样建立起来了。

朋友的第一个问题,在于翻译版本中对于 kitsch 这个词的翻译和理解有问题。

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我们总是艺术看得太多,花时间去想得太少。

先来看一些不能让他满意的粉蜡笔画:

首先说 kitsch ,这个词不应该翻译成庸俗,大家公认的翻译是“媚俗”。我记得有个说法是:看到蓝天白云下,草地上玩耍的女孩儿,突然为之流泪,这是发自真心的感动,然后,被自己的感动而感动、流泪,这就是“媚俗”。

花时间

前往美术馆,最大的难点,在于让我们自己摆脱容易受打扰的状态。时间本身那种无所不在、毫不留情、吞噬一切的力量,是你的主要敌人。如果你总想着接下来要去哪儿,还有什么没完成的事情,比起站在艺术品前面来说,更应该去做什么,那就别指望还能发生什么有意义的事情了。但是,要摆脱开时间,已经变得尤为困难。各种设备让我们上瘾,提醒我们时间的存在——手机和手表忝列其中,还有照相机,因为相机已经变成了记忆的拐杖,而只有记忆能帮我们抵抗时间流逝。

现在,关于是否允许在美术馆内拍照的辩论如火如荼,可关注点都放在这里——拍照行为是否侵犯他人,破坏他们的兴致;然而更重要的是,这个行为更在根本上破坏了拍照者本人的艺术体验,而这体验总是稍纵即逝的。所以,应该留下你所有的设备。然后,绝对绝对不要事先规划逛完美术馆干什么。如果你听到人们在讨论晚餐计划,喝点儿什么,甚至是什么时候让看孩子的人回家,那就用目光杀死他们。

实用建议:如果你在闭馆之前一小时进去,那就用不着担心到底几点。等到警卫把你赶出去就好。同时,如果你只有一个小时,那就只逛一个房间。任何让你感到匆忙,或是不得不加快脚步的事情,都会让你重新进入到日常生活的忙碌感觉中。这就是门票收钱的另一个害处:参观者在精神上会给整个体验“打表”,想要让自己的时间值回票价,因此再次在这次游历中打上日常工作世界的印记——在那里,时间就是金钱,而金钱就是一切。

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an affirmation of kitsch,译为“对庸俗作品的肯定”,这里的 kitsch 应该不是特指某些作品,而是“媚俗”这个泛指的概念。

要安静

一定要避免噪音,因为噪音不仅扰乱心神,更让我们憎恶其他人。如果你在想着旁边的人多么无趣,多么心智麻木,那么你大概也没什么希望能接受艺术的魅力。在美术馆中,想象你自己有某种同性磁石之间的排斥力。走到空地去,放纵你对于人类的厌恶。

这并不容易。很多美术馆已经变得特别嘈杂了,有时候是刻意为之。如果是科学和历史相关的博物馆,噪音高低就等于游览者的参与程度,表明人们在享受他们的体验。在美术馆中,噪音不只是糟糕的社交礼节问题,更体现了某些艺术品的出名程度,比如《蒙娜丽莎》,吸引了巨大而喧闹的人群。然而,任何能吸引无数人观看的艺术品早已经死了,成为自身名声的受害者,它的光环已经散去,它的意义已经丧失在数不尽的陈词滥调和虚伪言词之中。为它的灵魂祈祷吧,然后赶紧离开。

倒不如在美术馆中找个安静的角落,那里布满无人关心的东西。某些被认为枯燥乏味的艺术品(比如19世纪的美国风俗画),或是不受外界影响的画(比如拜占庭世界的圣像),更有可能无人问津,它们的孤独会让它们更加慷慨。这样的作品也许没什么内涵,但却能给你它的所有。

【说明:以上中文文字内容,除引用部分外,版权归郑柯所有,转载请标明出处。如果你想给坚持原创和翻译的艺术君打赏,请长按或者扫描下面的二维码。两个二维码,一个是一套煎饼果子,另一个您随意。】

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揣测一下,桑塔格的意思应该是:大众的审美标准是媚俗的,是表面化的,是不深入的。在前一段中,她说道:生命的意义不在于某些意义深远的、被闪光灯照亮的、永远固定下来的细节,这是相片的意义。(Life is not about significant details, illuminated a flash, fixed forever. Photographs are.)所以,照片广为散发,就是在强化大众表面化的审美标准。

做功课

过去半个世纪以来,我们的文化空中小姐们有不少诺言,其中最具欺骗性的是:欣赏艺术,你什么都不用知道。只有在最有限的场合里,这句话才是对的。没错,即便是我们无知的时候,艺术也可以向我们发声。但是还有一个更强有力的真相:艺术在我们心中引发的反应,跟我们对它的了解程度直接成正比。由此而言,艺术是大众娱乐的对立面,后者随着人们的熟悉变得越来越了无生趣。

所以做做功课吧。即便在 Wikipedia 里看10分钟,也可以帮你找到方向,从根本上改变体验。阅读有趣的老旧艺术史著作,是更好的办法,特别是知道如何写作、现在看上去有些过时的学者(肯尼思·克拉克,贡布里希等)。参观特展的时候,一定要读读展览目录,至少看看主要的目录文章。如果你买不起目录,那就在礼品店里面看。

关于礼品店的规则:绝不要买任何非书籍类物品;绝不要为礼品店“留出时间”,因为这会让你想着时间;绝不要带孩子进去,因为他们会把艺术和商品联系在一起。

很多美术馆有公众教育计划,包括接受过训练的志愿者带领的导览。在加入某次导览前,一定尝试偷偷跟着听一次。如果导览一直在问问题,而不是说明作品、传递知识,那就别浪费时间了。这些假冒的苏格拉底式对话有个错误的前提:所有关于艺术的意见同样有道理,权威的见解是某种程度上的压迫。如果某个教滑雪的人声称不关心姿势和技巧,你是不会跟他学习的。那就不要浪费你的时间,别跟着那些所谓的教育者了,他们只会随意提出浪费时间的问题,问你的感觉和想法。

 

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可以看出来:桑塔格持有的是一种比较精英化的审美观,强调深入的、思辨的审美;而不是我们现在人人手里都有的手机和数码相机每天拍出来的那些照片,其中大部分应该都是数码垃圾。艺术君自己也在产生这样的垃圾。

用脑子

艺术的体验转瞬即逝,我们必须接受这样的事实。但是除了主观体验外,艺术也必须得到研究和辩论。然而,跟我们研究、辩论的大部分事物不同的是,艺术很难总结、描述。如果无法口头表述你看到了什么,你也许会觉得这次参观什么都没有感觉到。甚至你会觉得你什么都不记得了,似乎那些只是众多图像形成的一瞥,却完全无法把握。

可是,即便艺术的真实体验很难保留、记忆,艺术家的名字、他们所在的国家、他们生活和创作的年代,还有很多其他东西都很容易留在记忆中。有些美术馆的教育者知道这些东西,却告诉你这些细节不重要——他们在撒谎。一定要尝试记住一位艺术家的名字,至少一件此人的作品,而且这是你在走进美术馆之前没听过的艺术家。

如果想记住某件作品,应该努力让自己完成一些口头描述。也许写到笔记本里。完成口头描述的过程会让作品细节印象更具体,还会强迫你更深入观察,挑战你自己面对艺术时顽固的盲目。如果你觉得自己讲的都是陈词滥调,那就回去再来一次,再来一次,直到你说出某些更有实质的东西为止。如果其他一切做法都失败了,那就把看到的作品细节放到记忆中,包括它的主题、整体的色调,或是表面的质感。离开作品,然后试着记得这些;回来再对照作品,检查下自己的心智图像。这个做法并不有趣,实际上挺磨人的。类似折磨意味着你在同遗忘的斗争中取得了进展。

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第二个问题,超现实主义者和马克思主义。

接受矛盾

艺术必须有某种乌托邦式的野心,一定希望让世界变得更好,必须触碰不公和悲惨。艺术只有一个使命:用自己自洽的语言表达视觉想法。就像某个艺术爱好者对另一个爱好者说的话:莫奈,马奈,都是对的。

苏珊·桑塔格曾说“反对诠释”,而是赞同更加即时性的、更具感性的、更纯粹的主观艺术反应。但也有人说,而且说的也有道理——艺术是文化的一部分,其中蕴含众多文化含义,我们的工作就是把它们辨识出来。再次声明,说的都对。

艺术的体验常常陷我们于两难。我憎恶具象的当代艺术,除了我不这么想的时候;抽象亦如是。观看一幅画时,试着体悟两种完全相反的思维方式,总会有帮助:它只是一件物体,一件常见的物体;它是一件人类主观意志非同寻常的极端表达。两者都对。

艺术既让人精神昂扬,又能使人垂头丧气;它让我们兴奋,又使我们无力;它让我们变得更慷慨,同时更自私。与某位艺术家、某件作品爱恨交织的关系,常常是所有关系中最激烈、最持久的。在美术馆中游荡多年之后,我已经接受了对于艺术极端矛盾、水火不相容的想法。这种认识常见的口水话是:艺术强迫我们面对矛盾,从而让我们变得更具人性。但绝不要相信任何只说后半句的人:“艺术让我们变得更具人性。”这毫无意义。

实际上,艺术强迫我们面对矛盾,从而让我们变得荒谬,暴露出我们可悲的想法:试图让经验变得有意义;揭示出我们对于自己和世界那令人难以置信的错误理解。这是让人难以接受的、危险的东西,不能等闲视之。

再给一条建议:离开美术馆的时候,如果你觉得自己感觉良好,那你可能完全搞错了。

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文中有这样一句话:“经历了现代主义者反叛传统美学规范的演变过程后”。

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西方的现代主义,按照维基百科的说法:从文化的历史角度来说,是1914年之前的几十年中,兴起的新艺术与文学风格,艺术家为了反抗19世纪末期的陈规旧矩,转而用一种他们认为感情上更真实的方式,来表现出大家真正的感受与想法。

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因此,这里的现代一词,跟我们这里官方以前总讲的“四个现代化”什么的,不可混为一谈。现代主义,翔论起来,是艺术君不能 cover 的,这可以相应找些书看看。艺术君的公众号之前摘录过《十九世纪欧洲艺术史》的导论,可以参考。

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图片 19

至于超现实主义者,他们希望的是打破常规的世界,反抗资本主义或者中产阶级的“媚俗”(超现实主义源头之一凡·高认为:艺术永远不应只是安抚中产阶级的自我满足心理,而是要看做为社会服务的政府部门),是从文化或者个人层面反抗体制,而马克思主义的影响,是从体制层面反抗体制。

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在我看来,不管是超现实主义者,还是马克思主义者,就连我们每个人自己都包括在内,在人生的某个节点,总要思考自己的人生的意义何在。就像王石说的,是求财,还是求名。这种思考,究其本质,是知道短暂的人生终将终结,面对无尽的时间和空间、面对永恒时产生的那种无力感。而超现实主义者和马克思主义者都在历史上留下了自己的名字,在这个层面而言,他们的生命产生了意义。而吊诡之处在于,虽然他们都想反抗资本主义社会体制对人的异化,对于个体人生意义的抹杀,超现实主义者实现了一小部分,让一些人意识到了这个问题,而马克思主义者却抹杀了几千万乃至上亿人的肉体生命,更不要说他们的人生意义了。自己的后人做出这样的事情,应该不是马克思乐见其成的。

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这本《论摄影》还有一个1999年湖南美术出版社的译本,艺术君觉得其中的文字相对更流畅,理解也更深入,但是有关键词的错漏情况,比如这句话:

看完这些画,不知道各位怎么样,反正艺术君的下巴已经掉到地上了……

不过超现实主义美学也嘲弄过甚,无法与二十世纪最富有魅力的现代主义形式和谐共存。

 

原文中是这样的:

接下来看看他用心最多的蚀刻版画。

But Surrealist aestheticism is too suffused with irony to be compatible with the twentieth century’s most seductive form of moralism.

以下图片来自格拉斯哥大学艺术学院网站,惠斯勒身后,夫人将他大部分作品捐给了格拉斯哥大学。现在,艺术学院对这批作品完成了详细的研究。

这里的 moralism 还是指马克思主义,而上面这个译本明显是看做 modernism 了。一个关键词的错误,导致意思十万八千里。

比如下面这张《小威尼斯》,他们会找出能够看到相同风景的地点,用照片和惠斯勒的原作对比,体现艺术家捕捉美并将其精准展现出来的能力。

类似《论摄影》这样的经典,翻译时必须慎之又慎,虽然这个译本胜在文字,但如果能多审几遍,应该更好吧。

图片 22

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以上文字内容,除引用部分外,版权归郑柯所有,转载请标明出处。

 

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艺术史学者阿拉斯泰尔·格里夫(Alastair Grieve)在《惠斯勒的威尼斯》一书中指出:

如果你想向艺术君提问有关艺术、翻译、或者高效工作相关工具的有关问题,请长按艺术君的“分答”二维码。

他的绘图能力精准无比,表明他一直以来都是描绘地形方面的天才。他的眼光敏锐,也许有某种投像器之类的光学仪器辅助,加上手上的精湛技艺,让他可以准确记录下眼前的一切。

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有西点军校绘图学习背景的惠斯勒,即便使用投像器也并不奇怪,格里夫认为:

图片 24

对惠斯勒而言,也许更重要的,是他为场景赋予的节奏感……在长方形页面中放置建筑物地平线的位置,贡朵拉的所在,延伸开的泻湖水面中的标杆,还有他的蝴蝶式签名,这都是艺术层面的判断,而惠斯勒的决定无与伦比。

图片 25

如果你是在手机上阅读本文,可能无法看清画面中的细节,艺术君推荐你换个更大的显示设备来看,因为这样的版画纯以线条为形式表现内容,如果不能放大看,很难看清他在不同对象上如何应用不同类型线条,从而形成最后那和谐、完美的艺术效果。

图片 26

上文中提到的“蝴蝶签名”,是惠斯勒最著名而独有的一种签名方式,这来源于他1860年代中对于亚洲艺术的兴趣。创作时,这只蝴蝶放在画面的什么位置,如何以其营造画面的平衡感和和谐感,他会仔细斟酌,不惜劳神费力,得到最好的结果。

图片 27

在上面的版画中,那只蝴蝶位于画面最下方的蝴蝶长成这个样子。

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图片 28

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图片 29

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蚀刻版画的创作过程,是这样的:

酸性液体会将设计图稿以腐蚀的形式落在金属版上。开始时,金属版上覆盖了抗酸性的基底,蚀刻用的针会在上面绘制图案。金属版随后会浸入酸性溶液中,暴露出来的部分会被腐蚀,形成沟痕,留住墨水。当基底清除干净后,蚀刻完成的金属版就沾染上了墨水,然后就可以像雕刻法那样印制版画了。

画家觉得差不多了,可以金属版现在的状态印制一张版画,然后根据结果,再去蚀刻、或是刮掉金属版上的纹理和图案。因此,同样一块金属版,可能会有很多状态,从而产生不同的版画作品。

根据格拉斯哥大学的网站,惠斯勒下面这幅《门廊》,一共有20个不同状态,下面是状态 1 :

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再看看状态11:

图片 31

跳到状态20:

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放大些,就能看出来:中间台阶上的女孩,姿态和衣着完全不同了,后面上方门廊中的另一个女子也有变化,背景中还有一个男子,前后也都不一样。

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必须指出,这幅版画的大小是高30公分,宽20公分左右,但是请看画面里面有多少丰富细节!

 

 

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感兴趣的话,你还可以试着找找惠斯勒的蝴蝶在哪里。

嗯,艺术君不打算在这里列出所有的状态,还是贴出威尼斯系列的一些代表作吧,如果大家对这个系列感兴趣,可以点击【阅读原文】去看更多、更详细的介绍。

请大家欣赏这位蚀刻版画界的土星的作品,感受下他的光环。

图片 40《威尼斯的桅杆》

图片 41《阳台》

图片 42《静静的运河》

图片 43《皮亚泽塔广场》

图片 44《夜曲之宫殿》

图片 45《夜曲之熔炉》

图片 46《夜曲》

图片 47《小桅杆》

图片 48《小泻湖》

图片 49《水果摊》

图片 50《门廊与葡萄藤》

图片 51《乞丐》

图片 52《花园》

图片 53《串念珠的人》

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【说明:以上中文文字内容,除引用部分外,版权归郑柯所有,转载请标明出处。如果你想给坚持原创和翻译的艺术君打赏,请长按或者扫描下面的二维码。两个二维码,一个是一套煎饼果子,另一个您随意。】

 

图片 54

图片 55

图片 56

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高泉强先生是一位创新型的艺术家,他在淡泊、悟修中一步步地达到较高的思想境界。这一切在高泉强先生的新水墨...

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画家刘国志彩墨山水画

  何积石原创诗 刘国志,字鸿远,号若水、若水轩主人,现居北京。现为国家一级美术师、河北省美术家协会会员、...

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