清代油画:未来市场价值将受到相当肯定

日期:2019-11-26编辑作者:戏剧

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明清时期油画在中国的传播和发展 清代是中国油画发展的初始阶段。在欧洲传教士将油画传入中国后,在中国本地形成了以清代宫廷油画和广州外销画为主的两大油画类别。 油画在中国的出现最早始自明代,从公元十六世纪起,欧洲不断派遣人员到中国传教,为了这一目的,欧洲的传教士们携带了一些宗教宣传物,包括天主像、圣母像等油画画像。他们在传教的过程中,有意无意地把西方的油画传入了中国,对西方油画在中国的传播具有建功立业的意义。其中,意大利的罗明坚将西方油画带入了中国内地,同样来自意大利的利玛窦在传播西方科学技术的同时,巧妙地将西方天主教油画及其铜版画复制品分送给中国皇帝和上层官员,起到了西方油画转承的影响效应。乔瓦尼在澳门进行了油画创作活动,并培养了自己的油画弟子,他的弟子们深入中国内地进行的艺术活动对明代油画的发展都产生了深远的历史影响。这批传教士在中国南方的通商口岸建立了最早的油画传播机构,造就了中国最早的油画家,赢得了中国皇室和民间对西画的艺术赞助和传播。这一时期成为了西方油画传入中国的初期阶段,此时的油画创作带有浓厚的宗教色彩。 至清代,中国油画的发展呈现南北方双峙的态势。在北方,清代宫廷成为北方油画的重镇。在康熙、雍正、乾隆三朝皇帝在位期间,擅长绘画的欧洲传教士进入宫廷供职,将欧洲的油画技艺带入宫廷,由欧籍官员或中国内廷画师进行创作。当时供奉内廷的传教士有马国贤、郎世宁、王致诚、潘廷章等,他们除自己进行油画创作外,也影响了一批中国宫廷画师的油画创作。从目前存留的实物和文字资料中显示,清代宫廷创作的油画题材一般以帝后、官员等的肖像和宫殿的室内装饰作品为主,极少有用来创作主题性的绘画作品。由于当时的保存条件较差,宫廷中没有专门的油画修复人员,皇室对这些作品的收藏也并不十分重视,因而,清宫油画作品的存世量十分有限。 在南方,从清朝乾隆年代起,广州成为中国唯一对外开放的港口,也是西方人进入中国的必经之路。在这一地区,欧洲传教士的绘画技艺和油画作品通过传教和贸易两种方式在中国民间广泛传播开来,中国当地的民间画师开始仿效这些欧洲画家,最早从事了西画的创作和销售,其绘画主题几乎涵盖了当时中国社会生活和自然风物的方方面面,涉及民间风俗、风景、人物肖像等,画种主要有油画、纸本水彩画、通草纸水彩画、反绘玻璃画等。他们的作品极富特色,受到了当时国外来华人士的欢迎。于是这些作品也通过来华作贸易的欧洲人,向外传播出去。因此,与宫廷西洋画相比,清代广州外销画是根据民间的商业要求而发展,向外传播到香港、上海以及国外等地,其影响远比宫廷西洋画要深远。 清代油画市场分析 由于清代宫廷油画和广州外销油画的创作地点和绘画功能不同,其流传也呈现出不同的特点。这些油画作品在流传的几百年间,保存情况多不完好,有的甚至经过劫难,流散海外,现存作品已是十分罕见了。 清代宫廷油画由于其绘画的功能性和政治的需要,在当时主要存于宫廷画院之内,在国内的流传较为有序。但由于清代皇室对这些作品的收藏并不十分重视,甚至被评论为虽工亦匠,不入画品,加之保存条件较差,宫廷中也没有专门的油画修复人员。因而,清代宫廷油画在其画完后的数百年间,保存情况并不良好,现存至今的已是凤毛麟角十分罕见了。目前可见的清代宫廷油画大都收藏在博物馆中,如北京故宫博物院收藏的传为中国最早油画作品的《桐荫仕女图》、传教士所作《孝贤皇后像》、《乾隆皇帝射箭图》等等。而清代广州的外销油画,在当时就已经通过大量的中西贸易流传到了西方国家。而其在西方国家一出现,立即艳惊当世,风靡一时,受到欧洲公私收藏家的竞相收藏,如英国的维多利亚和阿尔伯特博物馆就收藏了清代的广州外销画几十余幅。而在国内,这些油画却鲜为人知,无论从艺术价值还是市场价值来说都远远没有得到重视,多为民间所收藏,保存状况也多不完好。但相对于清代宫廷油画而言,如今在市场中可见的作品数量也相对较多。 清代油画在其流传的过程中,除了藏于宫廷之外,民间藏有的宫廷绘画十分少见,而在市场中流通的清代宫廷油画则几近绝迹。而外销油画主要是应来华洋人的需要而绘制,因此成为了对外贸易的商品之一,19世纪30至60年代是广州外销画的鼎盛时期,在这一时期,外销油画通过广州及通商口岸的画店销售到香港以及国外等地。与此同时,由于外销油画带有中国画的绘画特点,在国内市场中也很受欢迎。因而,在国内和国外市场中流通的清代油画大都是外销油画作品,以及为数极少的清代宫廷油画。 20世纪90年代,从拍卖在中国艺术市场出现以来,清代油画并没有受到市场和收藏家的重视。早在1996年,一幅清代《水浒人物玻璃油画》就在北京翰海秋季拍卖中亮相,当时的成交价为17.6万元,这在艺术市场刚刚开启的当时也算价格颇高。但在此后的几年中,清代油画的成交状况也并不理想,不但在拍卖市场中连续几年少有此类作品的出现,而且上拍的作品成交价也仅仅停留在几万元的价格范围之内。2003年是中国艺术品市场的春天,但清代油画市场却没有随之高起。广州嘉德夏季拍卖会推出的《官员像》是迄今为止国内发现的保存最好、艺术价值最高的清代油画作品,拍卖行对这件作品的期望值颇高,当时的估价为150-200万元,但这件博物馆级的作品却遭遇流标。 直到2005年,随着中国油画在艺术市场中的整体高起,收藏界才对清代油画有所关注,其作品价格得到了整体提升,作品的成交量也呈现了增长趋势。纽约苏富比成交的一件清代《欧式服装妇女肖像(PORTRAIT OF A MAIDEN IN EUROPEAN DRESS)》的价格有了质的突破,这件估价仅为100-150美元的作品,最终却以40.8万美元的高价成交,约合人民币337万元,这是清代油画首次在国际市场上得到相当的肯定。随之,国内的中诚信拍卖行推出了两件清宫油画《文官像》和《武官像》均以44万元的价格成交。在2006年的春季拍卖中,北京翰海推出的清代《广州商馆早期风貌》成交价为14.3万元,上海嘉泰西洋美术--中国早期油画专场推出的通草水彩画《产茶图》成交价为1.76万元。整体来看,市场中价格较高的清代油画主要以宫廷油画为主,而外销油画的价格较低,多处于几万元至十几万元的价格区间。 近几年,虽然清代油画价格随着市场的升温而有所抬升,但在艺术市场中并没有形成一个单独的市场门类,其成交价格也没有随着艺术市场的火热而高企。在当代油画作品火热的艺术市场中,作为中国油画始祖的清代油画市场并没有随之火爆,流拍的作品没有因此而减少,成交的作品价格也没有得到大幅的升涨。究其原因,学术界研究清代油画的资料少之又少,其宣传和研究的程度都不够,因此收藏界对这部分作品的认识度普遍不高,关注度也远远不如当代油画。 艺术价值和市场发展趋势 清代油画在当时的历史时期,有着自己特殊的历史价值和艺术价值。只有在了解清代油画艺术价值和历史价值的基础上,才能对其市场价值作出客观的分析和评价。 就清代油画的艺术水平而言,放在当时欧洲绘画总体水平的背景来看,以郎世宁为代表的清代传教士并不能代表当时欧洲绘画的最高水平,而其他传教士画家和其中国弟子的绘画技艺就更加等而下之了,所以当时无论是宫廷油画还是广州外销油画,其艺术水平都是有一定限度的。就用途而言,清代宫廷内的油画大都用作人物肖像和装饰宫殿,极少用以主题性绘画创作,即便是油画肖像也是作为绘制大幅的帝后朝服像收集素材用的,而不是作为绘画创作来对待的。广州外销画的民间画师们,更是将油画作为对外贸易和交易的对象,具有较为浓重的商业性。但值得注意的是,油画在清代的创作融合了西方油画和中国本土绘画的艺术特点,形成了一种独有的艺术风格,具有其独特的艺术价值。 在历史价值方面,无论是记录帝后生活的宫廷油画还是反映自然和丰富社会生活的外销油画,都反映出了当时清代的历史状况,具有一定的历史参考价值。另一方面,清代油画无疑是中国油画的萌芽时期,是当代中国美术的基础,具有划时代的历史价值。 融中国传统技法和西方油画风格为一体的清代油画作品,是能代表我国绘画风格发展和转变的划时代作品,具有相当高的艺术价值和历史价值,加上其存世量十分稀少,反映在市场中的价格也应当较为高企,但从清代油画在国内的市场状况来看,其成交价远远没达到其应有的市场价格,而在西方这类划时代的艺术作品如印象派的作品等都在市场中很受追捧,价格颇高。拥有高度艺术价值的清代西画,其市场价值在未来的发展中应当受到相当的肯定。

收藏洗晒 傅中望

2009年5月伦敦蘇富比将于6月17日隆重举行名酒拍卖会,推出逾 1,000瓶法国白马堡之佳酿,所有共 287件拍品均由酒庄直接委托蘇富比拍卖,是有史以来首次让藏家透过拍卖平台搜集直接来自白马堡酒窖之珍品,拍品来源及品质均无可比拟,殊为难得。白马堡创立于 19 世纪初,历史悠久,坐落于法国波尔多圣达美隆酒区,被评为该区第一级酒庄之「甲等」,其佳酿品质超卓,是全球藏家梦寐以求之瑰宝。本次拍卖推出之佳酿涵盖近一个世纪,年份横跨 1900 至 1995 年,并囊括 1.5 公升装、3 公升装、4.5/5 公升装以至 6 公升装等大瓶佳酿,弥足珍贵。

上海复旦大学视觉艺术学院组织二年级学生参观电场:超越超现实法国蓬皮杜中心藏品展

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近日,湖北美术馆因雕塑2012和再水墨这两个在业内受到好评的展览而被网友吐槽,笔者看了网友们的评论也是开怀大笑,觉得很可爱也很有才,但是作为在美术馆工作了5年的职员,忍不住想要做一点回应,帮助大家以轻松的心态来欣赏艺术作品。

洋酒部国际主管及葡萄酒大师施慧娜表示:「蘇富比相当荣幸推出此独当一面的白马堡名酒系列,拍品一直完好保存于白马堡酒窖内,现首次亮相市场,为藏家趋之若鹜。白马堡名酿地位非同凡响,彰显细腻而丰富多彩的品味,醇美独特。本次拍卖呈献出色的酒款,当中以 1940 年代后期尤为突出,以及其他令人刮目相看的年份,为名酒爱好者带来不一样的选择。白马堡 1947 年份名酒,为波尔多最出色优越酒酿之一,享誉全球。本次拍卖会特别从搜罗不同瓶装之白马堡 1947 年佳酿,芳香甜美,具有波特酒般之甘醇,丰沛强劲,令人印象深刻;当中 1.5公升装估价 8千至 1万 2千英镑 */ 9万 6千至 14万 5千港元,单瓶装估价则为4千 至 5千英镑 / 4万 8千至6万港元。 此外,本次拍卖将推出多套囊括多个年份的垂直酒款,其中一套包括逾三十瓶由 1905 至 1964 年间之优质产酒,估价 1万 5千至 2万英镑 / 18万至24万港元。 尚有一套垂直酒款包括了 1947 至 1948 年之 1.5 公升装,以及另一套囊括了 1947、1948及 1949 年三个极佳年份之拍品,实属世间难求。 本次拍卖是蘇富比继 2007 年纽约「菲丽嫔女男爵私人酒窖珍藏」专拍、2008年 4月伦敦伊甘堡名酿拍卖,以及同年 11 月「彼雄拉兰伯爵夫人酒堡瑰宝」专拍后,另一次直接从波尔多顶级酒庄直接搜罗拍品。

在中国,美盲更比文盲多,很多高学历的人一辈子都很少去美术馆。从这个角度讲,中国人的艺术素养相比欧美发达国家民众还相差很远。

艺术发展到现在,已经不是单一的形态模式。以往,我们普通大众对艺术品的认识都止于绘画、工艺品,认为美的、技艺精湛的才是艺术,大众熟悉和习惯的是唯美、具象写实的艺术风格,追求的也是审美体验和视觉享受。我相信这是每一个走进美术馆的老百姓的观展期待。

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我们需要有一个更为宽松的政策环境,需要政府和社会的积极支持和帮助,需要同行间的协调。比如建立政府担保机制,这可免去大型高档项目的巨额保险费用,这在有的发达国家已经推行。而借展费也需要同行间多加协调,否则容易将文化交流的公益事业推向纯市场化运作,无形中抬高引进成本。

然而现在,艺术已经不再仅仅是美的享受和创造,有一部分艺术偏重于思想的启发和创造,是对思维定式的挑战,对日常经验和观念认识的更新,也不再单一地追求经典,有时甚至企图颠覆经典,打破传统,反叛权威,挑战常规,摆脱政治的、社会的、历史的、时代的各种束缚。所以,现在我们看到的艺术,有时候是不美的,甚至是非正常形态的,也许是抽象的、变形的、夸张的、丑陋的,甚至也无法用单一标准去划分界定,这让大众觉得匪夷所思。因为他们从中既看不到美,也看不到技术,这些以往适用的艺术评判标准失效了,他们对审美享受的期待也落空了,所以他们很苦恼自己怎么看不懂艺术了,最后只好不奢求理解这些高深的艺术了。

3月14日,上海当代艺术博物馆电场:超越超现实法国蓬皮杜中心藏品展结束的前一天,杭州某公司职员蔡易远专门向公司请假赶赴上海,观看了这场集毕加索、安迪沃霍尔、杜尚等大师佳作的艺术盛宴。

梅兰竹菊 魏光庆

老实说,有点看不懂。谈起观感,蔡易远咂咂嘴,有两点体会,一是展览非常好玩,艺术家的创意出人意料,很让人享受,也很受启发;二是观看当代艺术需要有更多的背景知识,否则理解起来有困难。

其实这是大家对艺术的理解走入了一个误区,为什么艺术一定要是美的?为什么大家迫切想知道作品表达的是什么呢?为什么就不能探寻一下自己可以从那些不美、不懂的作品中获得什么?能不能唤起你内心的思考或情感的涟漪,与你的阅历、经验、记忆、情感等等找到对应、呼应?以这次湖北美术馆馆长傅中望在公共空间晒衣服的作品为例,首先这件作品带给了我们思考的突破:这也是艺术?艺术还可以这样?其次,这件作品唤起我们对于一个城市的时代记忆:江城人民过去就是这样生活的!再次,这件作品不是草率的,通过网络征集的衣物都真实还原了那个时代的生活原貌,并且晾起的衣服厚的、薄的、长的、短的、亮色的、暗色的、内衣、外衣都搭配考究,错落有致,自然好看,有气势、有用心。

法国蓬皮杜中心藏品展并不是蔡易远观看的第一个外国作品来华展,之前,2011毕加索中国大展米勒、库尔贝和法国自然主义法国奥赛博物馆珍藏展等,他都曾专程前往上海。对于中国国家博物馆正在展出的道法自然大都会艺术博物馆精品展,蔡易远也表现了极大兴趣。这几年国外作品展逐渐多了起来,这对我们这些艺术爱好者是一个机会。以前很多知识只能从书本上获得,现在看了原作,与想象的大不相同,实体的展览给我带来了全新的体验。蔡易远说,希望每个城市的美术馆、画廊都能引进高品质的外国艺术展,哪怕是很小的展览,也能吸引市民和孩子前往,增加人们对世界文化的理解,提高艺术修养。

再以艺术家魏光庆的《梅兰竹菊》装置作品为例,卫生间里的面盆是洗手、洗脸的,浴缸是清洗身体的,大家可以想想,如果面盆和浴缸里面的水都是黑的,你是能够洗干净还是越洗越黑、越洗越脏?艺术家违背常理的设计,恰恰是其用心所在。墙上挂的梅兰竹菊是一种君子气节的标榜,而从其下面流出的水却是黑水,如果联系一下社会现实,你是不是可以找到些许微妙的对应呢?是不是会佩服这位艺术家的一针见血和他的言说技巧呢?

外国艺术展接踵而至 年轻人观展热情高

还有艺术家张羽的《指印》作品,有网友追问其意义,既不是马赛克也不是格子,而是指印。对于这样一整面的指印也成为艺术,大家深感迷惑。可是大家如果细看每个指印之间,它们是有关系的、有讲究的,是有形式美感和节奏感的,再看整体效果也是清新淡雅的,有一种清心寡欲的禅意隐隐浮现。我们可以想象一下,艺术家用手指一点点、一天天地蘸墨汁在宣纸上轻轻按下指印,如果不是心平气和、内心舒展又虔诚干净,可能营造出的画面又是另外一番景象了,而这种日复一日的重复,其单调、乏味、消解意义的行为却成就了一番净化和禅境。那么身处现代社会的你从中收获了什么呢?

外国艺术展在中国的逐渐热络始于2005年前后。当年,中法两国互办文化年活动,举办了很多艺术展览。之后,中国意大利年、俄罗斯国家年、西班牙文化年、中韩文化交流年等接踵而至。这种持续升温的中外文化交流活动,给中国观众带来了更多欣赏世界艺术的机会。中华世纪坛世界艺术馆馆长王立梅对《美术文化周刊》表示。

自毕加索的立体绘画、杜尚将小便池命名为《泉》展出、安迪沃霍尔机器生产式的复制,已经将艺术语言、艺术形式都进行了革新,他们对艺术的倒行逆施为我们不断拓展了艺术的边界,也有力地打开了思维的局限,这也正是现代艺术之于现代社会的意义之所在。只是我们的大众还没有形成这样的认识,还处在艺术审美的初级阶段。大家在欣赏艺术品的时候,也没有形成以自己为主导、探寻自己从作品中可以感受到什么、想到什么的习惯。其实我们在面对艺术品的时候,根本没多大必要去在意艺术家想要表达什么意思,只要我们能从中感受、从中思考,收获我们自己能够收获的,理解我们能够理解的,这就足够了。也许让我们想起一段往事、一次特别经历,亦或是一种莫名的触动。如果我们能以这样轻松的心态来观展,也许我们会收获颇丰,也会发现艺术并没有那么高深,其实是艺术无处不在人人都是艺术家。

随着外国艺术展的逐渐增多,这些展览的展出地点也由以北京中国美术馆为主阵地,逐渐发展到上海、广州、成都等一线城市的各级美术馆、博物馆、艺术中心和画廊。如梵高和阿姆斯特丹的画家们在首都博物馆展出,2012毕加索中国大展在成都当代美术馆展出,走向现代:英国美术300年在中华世纪坛和广东美术馆展出等。但是,尽管展览的数量逐渐增加,展出范围也逐步扩大,但中国观众仍然觉得很不解渴。

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因为中国没有固定的外国艺术博物馆,这些临时性、短期的展览对于国人的艺术需求来说显得杯水车薪,差距很大。中国艺术研究院美术研究所外国美术研究室主任王端廷说,法国、英国、意大利等欧洲国家全年都设有各种规模的外国艺术展,这些展览对于民众文化视野的扩大和审美素养的提升有很大帮助,但中国还未能做到这一点。

在中国,美盲更比文盲多,很多高学历的人一辈子都很少去美术馆。从这个角度讲,中国人的艺术素养相比欧美发达国家民众还相差很远,这不仅需要政府在艺术普及上做大量工作,也需要民众自身的文化自觉。王端廷说。

最近几年,国人对于艺术展览的关注和热情逐年提高,且大多集中在年轻一代。以法国蓬皮杜中心藏品展为例,该展的主要参观人群为白领、大学生、外国人、老年人和带孩子接受艺术熏陶的家长。这些观众多数是艺术爱好者或从事着设计、建筑等相关专业,往往是自发前往观展,对艺术具有一定的追求和素养,对当代艺术也有一定的认知度。其中青年观众的反应尤其积极,在展厅出口处的留言本上,他们信手涂鸦,所画图像或者和展品相关,或者是天马行空的自由发挥。虽然有很多观众表示看不懂,但仍然不影响人们的参观热情。上海当代艺术博物馆信息部项丽萍说。

对于看不懂的问题,项丽萍建议:只要跟着感觉走就行了带着纯真之眼,跟着感觉和直觉,抛开偏见和成见,走出禁锢和束缚,打开内心和想象,然后就会发现这些作品就像是一面面魔镜,折射出了自身的爱恨、欲望以及人生的琐碎、无奈和美好。

偶然性合作多 一流作品少

国人对于外国艺术的关注和喜爱,与中外文化交流的日益活跃有关。外国艺术展引进热,使得普通民众的审美素养得到了提高,也为艺术从业者提供了借鉴和参考。

回顾引进外国艺术展的历史,1978年10月在中国美术馆举办的法国19世纪农村风景画展是改革开放后西方来华的第一个展览,展出了法国48个博物馆的88件作品。当时,国人刚刚从封闭和禁锢中走出,对于西方古典油画原作和西方文化表现出极大的热情,中国美术馆的展厅每天都挤满了来自全国各地的观众,很多人在展厅一待就是一天,不吃不喝。而之后中国美术馆推出的毕加索绘画原作展德国表现主义版画展罗丹艺术大展等,也都不同程度地对中国现代艺术的兴起产生影响,并引发了种种文化思潮,如85新潮美术等。

但30多年后的今天,外国艺术展的性质和需求已经渐渐发生了变化。以前的很多展览是因为中国艺术界的需求,跟当时中国渴望了解西方艺术的心态吻合。现在引进的各种大展对艺术界本身的冲击、刺激和影响都比原来小多了,甚至已基本影响不到创作界,完全变成了一种为普通民众普及文化知识的工作。因为随着信息交流的便捷,艺术家本身即是全球艺术的在场者,中国的美术创作也已经进入了自身的创作轨迹之中。艺术批评家杨卫说,日渐增多的外国艺术展与中国改革开放的历史进程相符合,反映了国民文化素质的整体上升。

但也有观众纳闷,这股大师热潮为何会在最近几年勃发?这些展览是否真正聚集了艺术大师的代表作品?抑或只是宣传噱头?

大师热除了与中国的经济发展有巨大关系外,国民渐增的审美需求也不容小觑。同时,很重要的一点还因为中国的艺术品升值太快、价格太高。杨卫说,外国艺术大师的作品在学术上已有很厚的积累和研究,并得到了艺术史的公认,而中国现当代艺术的学术梳理和专项研究还远远不足,而市场价格又奇高,因此组织中国当代艺术展与西方大师作品展成本不相上下,但后者却更加保险。

在王端廷看来,虽然外国艺术展打开了国人的视野,使人们不出国门即可欣赏到不同文化背景下的艺术成就,但这些展览的举办从整体上带有一定的偶然性和随机性,它们缺乏从政府或国家文化建设层面上的统筹规划,很多是国内展览机构与国外博物馆的偶然性合作或源于某个人的联络,或因为某个人的促成,没有学术上的全盘计划。虽然这些外国大师展和馆藏展越来越多,但随着全球艺术商品化程度的日益加深,由于资金等因素,真正来华的一流艺术家及其一流作品已变得越来越少。王端廷说。

资金匮乏内力欠缺 美术馆面临重重考验

最近几年,要借到好的外国作品已经越来越难了,而且越发感到力不从心。即使身为中国美术馆界的龙头老大,中国美术馆馆长范迪安在谈到借展时也常常无可奈何。西方很多博物馆有一种错误的认识,他们以为中国的事业单位很有钱,会要很高的借展费。以前我们在馆际交流上比较对等,但现在对等有点困难。范迪安说,从去年开始,中国美术馆与梵高博物馆和一些名家博物馆都进行了交流,他们都有意愿将藏品拿到中国展出,但是他们把展览看成是一种市场机会,这使得我们这些公立美术馆比较困难。

除了吸金外,中国灵活的展览机制和较好调度的临时性展览空间也吸引着外国同行。同时,中国各省市逐渐兴起的美术馆建设热潮和相对完善的硬件设施,也为这些作品的展出提供了保障。

现在的问题是,我们常常只是被动地接受展览,还没有主动走出去策划展览,这不仅是资金问题,还有学术眼光的问题。中央美术学院美术馆馆长王璜生对《美术文化周刊》表示,国外美术馆的操作程序,一般是策划团队在获得某种线索或判断后才推出或引进展览,他们没有国界的概念,通常会在全球范围内寻找作品,这一点值得中国同行学习。

我们在接触外国展览时,往往会首先判断哪些作品好展出,哪些作品不能展,哪些东西可以说,哪些东西不能说如此种种,都是比较被动地接收。王璜生说,对于一个展览的策划,我们应该首先判断什么对中国当下的美术创作、美术史研究有益,再决定引进哪些艺术家的作品,进而判断它们与中国现实之间的关系、对中国现实产生的影响等,如此再来展开对艺术的研究、呈现和理论表述。但中国目前的展览却不是这样。中国美术馆界普遍存在学术主张和学术判断薄弱,学术研究和策展能力不足。

虽然每个来华的艺术展都会引发不同程度的争论和评价,也常常褒贬不一,但仍有一些经验可供借鉴。中华世纪坛世界艺术馆自2006年开馆至今,策划的一系列外国艺术展令人印象深刻。谈及经验,王立梅说,其展览规划常常注重三点,即突出主题、相互呼应、合理搭配。作为一个年轻而没有收藏的博物馆,世界艺术馆不具备以藏品形成特色的条件,所办的展览因为没有收藏基础的支撑而会显得支离、零散。为了培育个性和特色,保持鲜活的生命力,我们在展览的整体规划中,特别注意将一些临时展览、特别展览进行有意识的呼应和组合。比如前后推出的意大利文艺复兴艺术从莫奈到毕加索和古典与唯美三个展览,基本将西方艺术史中最重要历史时期的大体脉络呈现给了观众。

王立梅说,就引进项目而言,国外许多博物馆和文化机构都表现了较大的热情,交流不存在障碍,但会遇到一些困难。她呼吁:我们需要有一个更为宽松的政策环境,需要政府和社会的积极支持和帮助,需要同行间的协调。比如建立政府担保机制,这可免去大型高档项目的巨额保险费用,这在有的发达国家已经推行。而借展费也需要同行间多加协调,否则容易将文化交流的公益事业推向纯市场化运作,无形中抬高引进成本。此外,社会赞助文化事业的优惠政策也需要真正落实,使更多有社会责任的企业家能自觉乐意地支持文化事业。

杨卫也建议,国内艺术机构可做一些小的文化交流项目,与其把大量资金集中在一次使用,不如分散开来进行一些小规模、有特色的展览,把艺术欣赏日常化,这更符合美术馆、博物馆的职责和功能。

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