专访 | 刘建华亮相威纳闽:深褐钢板上的“大青

日期:2019-10-25编辑作者:戏剧

▲耿建翌《书》系列作品 1990-2000

▲李雨航《我的朋友》声音装置 2015

展览地点:艺琅国际

▲日本艺术家草间弥生与路易威登合作的产品

第57届威尼斯双年展主题展

▲皮埃尔-阿兰雅弗雷努《移动音乐1七重天》影像 2010-2015

▲庞茂琨《对应的肖像 》 65x50cm x2 2017

▲设计师PieroFornasetti 的艺术语汇被运用到各种日常物件上

今年威尼斯双年展开幕已经进入最后倒计时的阶段,担任此次中国国家馆的策展人、艺术家及工作人员正在紧锣密鼓地开展开布展工作。双年展的海报已经贴满了整座威尼斯,它们正在呼唤着来自全球各地120位艺术家的到来。这是一场关于艺术的嘉年华,每一个参与者都在等待着这场盛开的召开。

《在霓虹灯上走过》由铺在地上的白色霓虹灯组成,它们完美地排成一排,但每一根都从中断裂。从2004年到2010年,米歇尔弗朗索瓦屡次使用这样的审美法则,尤其是在2005年布鲁塞尔弗拉芒文化中心,该作品成为了行为艺术的对象:在光天化日下,艺术家踩在霓虹灯上,用脚把它碾碎。

▲ 庞茂琨《格列柯的天空》120x160cm 2017

▲以日本艺术家草间弥生的作品为原型而设计的钥匙扣

▲ 威尼斯双年展主题展现场,左起:本届双年展总策展人克里斯汀马塞尔、艺术家刘建华

协办:里昂法国文化中心和瓦隆-布鲁塞尔国际关系署

▲达芬奇《抱貂的女人》1469

每年近50万高校艺术毕业生,将带来大量优秀的原创设计作品,这些作品纳入版权交易平台,除了能够得到知识产权保护,更能够形成一个源创新引领的产业链,带动研发、生产、销售、网络营销等一系列发展。

这次参展威尼斯的这件装置《方》是我在2014年创作的,大约花了一年的时间来制作。我将工业质感的钢板与中国的传统材料陶瓷结合在一起,二者均在火的外力施加下呈现出不同的物质形态。陶瓷在黑色的钢板上以金色液体的形式呈现,在陶瓷看似坚硬却脆弱无比的材料特性外,伪装出温和甚至炽热的、带有强烈的欲望感的液体状态,就像被物欲裹挟的心理状态。这种材料之间并存的对抗性与依赖性在纯粹的形式中得到体现,这种纯粹性也来自于人的内心对物质的一种理解和感应。

互联网在上世纪呈现出的属性是非物质化的,好像飘在云中。然而网络是由一个繁重的物质设施,洲际电缆和集中数据的数据中心组成的。《地平线》是一次在照片里的无限遨游,这些展示了数据中心走道的照片都是网上找到的。这些照片使用了典型的阿尔伯蒂式的透视。视线不断延展的同时眼睛却保持静止。

这种凝视,是庞茂琨作肖像画时的一个核心元素。庞茂琨说,当我们关注人时,其实就是在关注自己。因为研究人的神态也好,精神状态也好,实际上都是在这个世界上人类的整个物质与精神之间的关系,它有一种东西很吸引你生命本体的东西。画人物最重要的就是要体现这种存在的感觉,在这个过程中,虽然使用了线条、色彩与颜料,但当它们真正汇聚起来后成为一个维度,抓住其交流沟通的形象,那才是最重要的。就像我看一个人,为什么他的眼神很重要,因为可以从这个视觉中直接沟通到你想要的东西。你所感悟的,你的情感,都会在眼睛里看到。

面对中国经济飞速发展,重视并推动我国文创产业发展已经成为当下最为显著的国家发展趋势和方向。在中央推进供给侧结构性改革、大众创业万众创新等重大战略指引之下,互联网+、文化+等众多新形势、新思路更是如雨后春笋般蓬勃发展,不断涌现。

刘建华对话凤凰艺术

▲多米尼克布莱《无限》物件 2010

▲开幕现场 左:艺术长沙发起人、收藏家谭国斌、谢蓉,右三:艺术家庞茂琨,右一:艺术家杨千

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VIP媒体预览日:2017年5月9日-5月12日

观众凭借自己的智能手机并下载Smartland应用软件便可以加入这个声觉生态系统的互动中。《智能领地-嬉游曲》可以被视作一个后数字时代的花园。

当问起在审阅过程中,会主要考核哪些点时,庞茂琨说,主要还是看基本的造型能力、色彩能力、构图能力,这些是最基础的能力:

中国艺术产业研究院副院长、教授、博士生导师西沐,在谈到艺术版权交易的整体发展趋势时说:

中国艺术家刘建华此次将在 时间与无限馆中亮相,展出他的经典作品方。这是他自2003年代表中国馆参展威尼斯双年展之后,首次受邀参展主题展。

每个感知的动作从某种意义上说是创造的动作。当我们凑近观看树枝摇曳,我们就会听见有风吹过。他将它称作眼睛的音乐。我的耳聋是难以被发觉到的,无论是我还是其他人,因为从最早开始,我的眼睛就开始有意无意地翻译声响的运动。

▲开幕现场,左起:艺术家杨千、艺术家缪晓春、艺术家许仲敏

这样做的目的就是为了更好的保护校园原创成果,培育本土力量,为艺术高校学生养成良好的版权意识。

冷漠的钢板与金色的陶瓷液体造型是两种通过火的过程呈现的不同物质形态,钢在自然生态中坚硬强势但最终消亡,瓷表面坚硬易碎而永久,它们在瞬间中产生的对抗性、矛盾性和差异性源于我对社会现实的感受,但以抽象的方式,以一种与空间发生强烈联系的方式来呈现两种不同的物质并存在同一空间的氛围中时,碰撞出的是经过妥协与退让之后的并置状态,是冷静的、凝固的一瞬。

▲帕斯卡弗拉芒《居民》装置 2005

在展览大厅中,有一排素描的折叠像,包括现代人物肖像和古典人物肖像。庞茂琨说,这个跟我的主题有一个很直接的关联。简单的折叠,时间与空间的,就像时间,它在人们看来就像是一种线性的,其实不是,我们可以把它像一张纸一样折叠过来,就看你敢不敢折叠:

《北京艺术毕业季》官方网站,已经开启了为全国艺术毕业生原创设计作品版权保护计划,未来将与国家相关版权登记单位建立合作,为优秀毕业设计作品进行著作权登记开设绿色通道。

▲ 威尼斯双年展主题馆现场,刘建华作品方

对我来说,影像是高级的信息工具,而我选取的场景已经和表现主题混杂在一起。所以我摄制了一些真实和虚拟的风景,不仅仅是因为它们带有世界政治和历史演化的印记,更是因为它们直接和图像主题有关,影响我电影的现有拍摄方式。

庞茂琨

▲版权也是一种资源

此次威尼斯双年展的主题展将由9个主题展馆构成,120位受邀参展艺术家参展览,其中103位是首次参展。中国艺术家耿建翌、关小、郝量、刘建华、刘野、周滔参与本届主题展。

▲展览现场:皮埃尔-阿兰雅弗雷努《天使坠落》

策展人:黄笃

在以后,版权创作者与版权本身将会越来越分离,其作为一种独立的资源,将越来越多地会被专业化的机构所运营,并不断朝着产业化、国际化的方向发展。第三就是,由品牌主导的产业链整合的艺术衍生品产业模式向 IP主导的跨界整合驱动的艺术衍生品产业模式发展。

▲艺术家刘建华

▲开幕式现场:上海民生现代美术馆馆长甘智漪 发言

▲庞茂琨《她与我》 30x40cm 2017

▲版权保护是艺术衍生开发中最核心的部分

Q:你是否担心来自不同生活语境国家的人看不懂你的作品?或是是否担心由于自身作品中所表现出的某种典型的中国性而作为西方人选择下的某种猎奇的结果?

《此时此刻》是由玻璃片群组组成,其中多数可以发声。水晶般的声响,音符-珍珠汩汩流淌,德尼凡桑的装置展示了一系列用金色墨水写在玻璃、金箔上的乐谱。通过固定在板上的传送器,声音在玻璃表面震动传播,起到了扬声器的作用。在这个书写作品,同时也是透明的游戏中,声响和视觉在此间互相回应,不同乐谱则表现了我们听到的全部美妙乐章。

庞茂琨谈到艺术教育时,他说,西方还有一个制度,他觉得挺好,这点来说,中国也是可以改进的。他提到西方艺术教育是不设置分科。在这个体制上还可以进行优化和调整,比如可以打破学科的界限,这样它就可以产生很多新的方式。现在中国还是实行传统的国、油、版、雕这种分科制度,虽然有跨界,但还是在学科内自己尝试地进行跨界,相对来说,还是交流得比较少。所以造就出来的人还是在那个专业框架之下,创新性不是很够:

文化与资本深入接轨,是助推文化创意产业发展的重要支撑和动力。随着商业化进程的不断推进,版权交易平台在保护知识产权方面的优势越来越突出。

刘建华:这是策展人的概念,已经涵盖了很多的内涵在里面策展人可能是针对当今艺术的现状或是对以往双年展主题所做出的反应。但在这样一个大的概念里,很难用个人的、局部的点来判断其内在它所涵盖的内容较多,所以我觉得可以通过展览里的不同单元板块来了解这个艺术万岁主题下的构想。

数码手段的普及产生并加速了艺术作品去物质化的过程,并介入到每个元素的相互运动中。所有都变得更轻,甚至变得无意义、漂浮乃至透明。

▲庞茂琨在《委拉斯贵兹的客厅》作品前

利用版权交易平台在保护知识产权方面的优势,将每年艺术毕业季带来的大量优秀原创设计作品,纳入版权交易中心,从而带动研发、生产、销售、网络营销等一系列发展,延伸到版权银行、版权证券等资本领域,实现文化金融融合功能。

▲ 第57届威尼斯双年展海报

《呓语2015》是呓语系列延伸和影子研究的新作品。影子属于二维世界,触摸不到但无比真实。我一直想运用影子的运动型态来创作。在这个作品里,我在上下做呼吸运动的铁盒子里放置了不同颜色的LED灯,形成一组色彩矩阵。灯光的运动以及相互影响形成整体的光线效果,模拟昆虫族群之间的动态影响。

▲庞茂琨《再古典NO.1》 27x19cm 纸上铅笔、色粉,2017

我认为,有三个大的方面。一个是版权资源的资产化、金融化发展。版权不仅仅是一个附属品,它也是一种财富。版权首先是资源,这种资源也是资产,这种资产可以金融化,也可以财富化。

在时间与无限这个概念下,艺术家们用当下论或时间的悬置或超瞬时性等概念重新阐述了时间,而当下重现的时间观念具有一种新的形而上学内涵博尔赫斯式的迷宫,以及对一个已蕴含在此刻或一个完美的永恒的未来的沉思。面对威尼斯的泻湖,借助某种催眠的力量,艺术家令自身消失,或者以改进的方式再造自己。

▲展览现场:江元皓《见花又是花》

在谈到中国艺术教育未来是否也会采取这种预科班的制度时,庞茂琨说,现在中国还是考生基数太大,10万人需要多少个预科班才能容纳得下。欧洲确实人比较少,这点来说,他们操作起来很容易。但中国目前来说,还是需要一个公共标准来录取,未来还有没有更好的办法,这个只有慢慢地来。

2017暑期将至,《北京艺术毕业季》官方网站,已经开启了为全国艺术毕业生原创设计作品版权保护计划,未来将与国家相关版权登记单位建立合作,为优秀毕业设计作品进行著作权登记开设绿色通道。以下是凤凰艺术、有盐联合北京艺术毕业季为您带来的现场报道。

▲刘建华作品在主题展时间与无限之馆中展出

▲杨奥拉瑞,塔菲克工作室《72击》互动装置 2013

▲中国著名艺术家、四川美术学院院长庞茂琨

▲以漫威动漫和电影中的人物和元素为原型而开发出的衍生品

展览信息

电力的发明,带来第二次的工业革命。电流在都市有如人体血管般的密布漫流,透过线圈将听不见的流窜电磁波转换成声音,有如都市的电磁音景。《电磁音景》出现在坡道展厅刚开始处,作为一件声音互动装置,运用电磁技术将声音与空间再度解构,一个个通电的铝制框架悬吊在空中,观者须手持特制仪器走近这如悬浮都市般的装置,才能聆听到艺术家录制的电磁音景。

在庞茂琨其中一幅圣女的作品中,她凝视着天空,但戴了一副眼镜。庞茂琨解释说,眼镜是17、18世纪之后才有的一个东西,它其实是一个现代的符号,使用这样一个道具,让她回到了今天。在《委拉斯贵兹的客厅》这件作品中,庞茂琨说,这是在美术史上很重要的一幅画,好多艺术家都对这件原作《教皇英诺森十世肖像》作品进行改动过,比如培根。

对于艺术版权来说,一般多提及的是它作为艺术品的附属价值,其实其本身也是一种资源,而且这种资源还是有价值的,是可以进行资产化、金融化、证券化的。现在市场上进行的版权投资、版权质押融资等行为,都是在这之上的体现。

展览时间:2017年5月13日-11月26日

在这部单人舞的剧作中,蒂耶里德梅继续了他关于音乐事实中运动的研究领舞者转向观众,用自己的心跳作为节奏然后逐渐通过复杂的多重节奏来放慢速度3/5节奏拍,5/8节奏拍,慢慢地接近黄金分割比,从而描绘出一个静默的、不可描述的音乐

那么,作为庞茂琨的另一个身份,四川美术学院院长,对中国的艺术教育怎么看时,他坦言道,中国的艺术教育确实需要做很多方面的改革。首先他谈到了入学的问题,他说,有一次去伦敦做交流,对方就很感兴趣,当听到我们学校有8000学生,每年有10万人报考时,他们都惊住了。西方人很难想象,如何从这10万的报考学生中挑选出一千人出来,因为他们无法遇到这么多的考生。这个时候,中西方的差异就出来了。

▲吴冠中系列纹样餐具|印尼舟群,图片由造作提供

在装置作品《方》中,这些散发金色光泽的滴状物悬停于黑色钢板之上,在看似有序排列的空间里流动着此消彼长的力量,将展馆营造出一种神秘的沉思氛围。刘建华说,任何作品的创作都是在当下现实社会环境的背景中进行思考和实验的,当然还有人文线索。从2008年开始,他一直寄往一种有别于直接和写实场景的方式进行工作,因为那样会把观众的观看行为和思考固定在一个简单的模式上。近几年通过对材料的实验去探索不同材料在传达微妙感受上的特质:

▲皮埃尔-阿兰雅弗雷努《天使坠落》声音及视觉装置 2003

▲庞茂琨《委拉斯贵兹的客厅》180x280cm 2017

第二,版权产业的产业化、国际化。在以前,很多时候谈及的是版权的依附性,比如说借助着博物馆、美术馆等机构的丰富资源来建设艺术衍生品商店,或者说版权依附于所有方、设计方、生产方等等,使得艺术衍生品产业的链条很短。

第57届威尼斯国际艺术双年展

展览随着美术馆平缓的斜坡渐次展开,将现实生活的面貌层层过滤,构造出一个高度提取现实的美学图景。在这个与日常生活不同的场域,展览借助每位艺术家感知世界的方式,让观众置身于一个充满了各色光影、寂静与嘈杂、复杂而不断变化的世界。

西方的文艺复兴时期,有一个重要标志就是从以神为本,走向了以人为本。这个思想是非常重要的,中国现在也非常需要以人为本,我想用这种方式来表达这个思想。

刘建华:对我来说,作品是第一次来到威尼斯双年展的主题展。之前因为有很多中国艺术家参加过威尼斯双年展主题展,也通过媒体报道等来了解。对于中国艺术家来说,第一次参加威尼斯双年展可以追溯到1993年的时候,当时大家都以一种非常强烈的愿望来关注。但现在中国艺术发展到今天,大家可能更多以平常心来看待及参与。这一次与2003年中国第一次在威尼斯双年展设立中国馆,与我当时参加中国馆的状态有很大不同,虽然当初最终因为非典的原因没有能来成,只是在国内完成了作品的呈現。这一次来参加本届威尼斯双年展,通过近一年的工作准备、包括布展过程,感受到了威尼斯双年展悠久的历史和团队专业的工作方式这和我以前的想象及有距离的观看还是不一样。有些事物还是应该要有深入的介入和体会,才会有更好的了解。

它原本描述了一个录音师在晚上通过麦克风认识自己的情景。然而暗夜突袭了这个猎人,进入了它的脑内。这样他就有了双重描述:脑内的图景改变了外部的夜晚,它的组成物不断将事实注入其中,我们甚至可以说这是他夜晚的精神分析图谱。

没办法,但这样却很公平,不可能一个老师说他喜欢这种风格,觉得这个考生有想象力,但另一个老师又说他不喜欢这个风格。我们只有把学生招进来后,再给他们进行所谓的个性化教育。录取的时候,公平性是最麻烦的事情,所以目前来说,有一个标准化的考卷,暂且还是合理的。在英国,他们有一种方法是设置预科班。比如学生先读预科班,通过一个学习的过程,老师了解之后,再从中选拨,比如一个班录取20个人,剩下的继续再读预科班。

Q:能否介绍一下这次的参展作品《方》?

装置是按照声音的空间化来设计的。视频和四声道音频搭配,两个女声构成了叙事主体。后二者互相交织,在不同的声场中结合构成了动态的感官空间。我寄希望通过新版本的《福尔摩沙声学计划》实现一个跨越,即从电影空间到展览空间。

在谈到这次折叠主题的起因时,庞茂琨说,在1月份的时候,黄笃就来到他的工作室,后来他走之后,庞茂琨就开始思考这些西方经典肖像画的问题。在他的工作室,放置了很多古典大师的肖像画,在临摹的过程中,越来越发现这当中有一种隐约说不出来的灵感突然出现。庞茂琨说,这其实在他的镜像主题里有这样的一个引子,可以说,这就像是自我的一种折叠,上一次的作品也是,其实是在更早期作品里出现了镜子,然后才有了后来的镜像,这当中确实有一条脉络在向前进。

刘建华:我从来没有想过这个问题,我觉得这个不重要。艺术本身会带给人们感应,像音乐、诗歌弥漫在空气中,并深入到人的心灵中。更何况有些作品可能形式上的表现更为重要。我觉得若由作品内在而生的形式表现能与空间产生联系、有相对的统一,包括材料的视觉呈现,观众就会有兴趣、愿意走入作品的内在语系中,不会因为不同生活语境而完全产生隔阂。

▲展览现场:皮埃尔-阿兰雅弗雷努《绿色声音》

▲庞茂琨《抱貂的女人》80x65cm 2017

关于此次主题展的主题馆的时间与无限究竟是什么意思?通往艺术的形而上学路径将会具有何种形式?在1970年之后,作为一种充满转变、无常且最终通向死亡流动的时间这一属性。彼时的观念行为兼具了对时间的长度及其不可避免的衰败的思考。艺术家刘建华此次带给威尼斯双年展的装置作品《方》将以液态陶瓷造型的形式呈现于时间与无限馆中。

这是一部合成图像构成的单幅视频,把米开朗基罗安东尼奥尼未竟的剧本移植到了该介质上。合成图像是接触电影非故事性质的契机。它好似一个历史档案,并没有否定安东尼奥尼作品虚拟且未完成状态,反倒强调并侧重了这一点。

▲开幕现场:左五:艺琅国际馆长谢蓉,左一:收藏家唐炬,右二:策展人黄笃

钢板是冷漠的、强硬的,强势的,而金色液体是温和甚至炽热的、柔软的,但让人产生欲望感,金色外表下是看似坚硬却脆弱无比的形态,像被物欲裹挟的"心理,有一种"欺骗感"。这些对抗、碰撞,以及作品与空间所产生的联系,会让进入特定空间、置身作品内的观众产生不同的联想和感受,进而引发对作品背后、对现实的思考。作品置放在主题展军械库空间的《时间与无限》的单元中。

空间的观念因为科技的进步及网络的发达,更加多元多样,而超越了文化及语言的隔阂。在科技改造后的今天,我们更着迷于连结方式的本身。

▲折叠的肖像庞茂琨新作展一楼展厅

▲4月28日,艺术家刘建华在威尼斯布展

《杂合子》是1963-1964年间在音乐研究集团完成的。那是一个研究和系统性试验声响的时代。《杂合子》是完全相反的作品。它造成了费拉里和皮埃尔舍费尔之间的冲突。如何把舍费尔在隐秘声响中追求的抽象性和这个叙事洒脱的作品和谐地结合在一起呢?

那么,循序而至,下一次的展览,又会从这次展览中折叠出什么新的东西?这个问题引起了我们的好奇。庞茂琨讲到,他现在正在思考关于宗教的问题,因为在过去,宗教里面讲是神创造了人,而现在人已经可以创造更多的东西,比如像人工智能,这里面涉及到很多关于伦理的问题。

▲艺术家刘建华与本届双年展总策展人克里斯汀马塞尔在展馆现场商议布展事宜

浸没在全然黑暗中,有一个盛满红色液体的巨型玻璃盆被放置在生锈铁块做成的长方形碑上。从作品空间上部放射出的一束纤细纯色激光笔直射入大盆的中央。

记者第一次看到这幅《抱貂的女人》时,就被惊艳到了。它的原型来自于达芬奇的同名油画。在原作中,达芬奇生动描绘了这位贵妇人瞬间转向左方的脸庞,呈现出高贵沉静的完美气质,怀抱毛色光润且栩栩如生的白貂则象征人物的尊贵身份。面对这样一幅经典之作,庞茂琨模仿前人图像,但又修改和补充其构图和造型,以求新的意旨。他把凝视左方的贵妇人的双眸修改成左眼紧闭,右眼凝视正前方,犹如挤眉弄眼做鬼脸一般。这种凝视似乎暗示出正处于画中的人物对立面的我们与画框之外的观看者凝视的相遇和交流。

Q:您认为艺术及艺术家在当前动荡的全球局势及人文主义困境中的作用是什么?

▲展览现场:王福瑞《电磁音景》

就像历史在不停地折叠,我们会看到社会就会在时间的一个点上又交汇了。它不是一个简单的两者之间的对折,而是因为在我们的心灵上能够对话。就像几百年前的东西,我们会突然感觉很熟悉,感觉很亲切,时间与空间就在这个时候被打破了。这就是折叠的状态。

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《透明的声音》系列布展云集了一众听觉和视觉杰作,它们与由雅克费尔叶创作的2010年上海世博会法国馆,也就是民生美术馆的建筑主体交相辉映。

▲开幕现场,艺术家缪晓春、策展人余可、北京民生现代美术馆馆长周旭君

VIVA ARTE VIVA

《72击》的科技装置是整个作品的组成部分。它的创作理念是混杂不同的数码和物理世界。声响既不是合成声响也不会从扩音器里播放,而是由作品材质里的小型电磁敲击器发出的。《72击》借此探索了对极致纯净声响的使用,它不加修饰,却是标记作品内时空的简易界碑。

我想到用一种情景式的方式来改变它,与它对话。他手里拿着一张纸,上面还有文字,但我查了很久并没有查到是什么意思,反正教皇手里都有一些秘密。比如说,这个秘密讲的是维纳斯也是被塑造出来的一个人,我是维纳斯的主办者,我们一起在这个课题里面交流,最后我看完这个秘密之后,就把它当场点燃烧掉。

威尼斯双年展是一个拥有上百年历史的艺术节,是欧洲最重要的艺术活动之一,并与德国卡塞尔文献展、巴西圣保罗双年展并称为世界三大艺术展,并且其资历在三大展览中排行第一。此次展览主题为艺术万岁,这个主题恰到好处的反映了艺术家在当代艺术框架下所扮演的角色和所承担的责任。在宣布双年展主题的声明中,本届威尼斯双年展是和艺术家一起设计、被艺术家设计、为艺术家设计的一场展览,希望可以成为一种经验,呈现出对他人、凡事,以及模糊不清的维度的一种外向的包容,向新人文主义开辟出一条新路。

▲展览现场:德尼凡桑《此时此地》

庞茂琨觉得我们可以逐渐地改变,有些东西也需要慢慢地调整,我们需要讨论如何集合学生的创造思维。我们还可以再学习,学习一些好的经验,然后就是招生,结构调整等等。现在教育改革确实比较缓慢,比如说学分制,真正的学分制,现在人家早就不用了,在西方,每个学科可以得到多少学分,清清楚楚,并且你可以自由地去选课。说到底,还是要以人为本。

艺术家耿建翌近70余件书系列作品,呈现于双年展主题馆绿城花园中。其中包括了从1990年耿建翌第一个书系列作品《读物》,到90年代中期《从第一页到最后一页》,最后到2000年《浸泡》和《之所以为经典》。

▲帕斯卡弗拉芒《在那里02》影像装置 2010

▲庞茂琨《折叠的肖像》2017

Q:本次主题似乎是某种狂欢,但万岁、永生一词又与权力相连,您如何看待艺术与政治的关系?

参展艺术家:

庞茂琨折叠的肖像展览信息

▲ 第57届威尼斯双年展拉开帷幕

▲帕斯卡弗拉芒《一瞬》装置 2016

▲折叠的肖像庞茂琨新作展 展览现场

刘建华:《方》是我在2014年创作的装置作品,大约花了一年的时间来制作,曾经在北京展出过。作品中使用了两种材料,一个是工业化产物钢,另一个则是中国传统材料陶瓷,这两种材料结合在一起也是源于我近几年对于材料的实验,和希望使用不同材料来创作作品的感受。

大多数作品都贯穿了知觉领域,探索了不同的呈现方式,它们一个接一个地分布在美术馆的四层,它着力体现出材料的光学属性,在光和暗、快与慢之间转换,它们让虚拟场景,生态系统,可以触及的现实和发光的回声互相冲突。它们同样开启了一条充满可能性而又无法预料的观赏路径,它变化多端,充满了倒影和模糊的往昔,直到静默被聆听,让人感受到无可再磨灭的本源。

开幕时间(Opening):2017.05.07 15:00

2017年5月9日,享誉世界的威尼斯双年展VVIP预展观摩日正式拉开帷幕。相比去年的136位艺术家,今年有120位艺术家入选,其中103位为第一次参加,以及85个国家馆。2016年9月份,双年展主席保罗巴拉塔及策展人克里斯汀马萨尔共同宣布本届威尼斯双年展主题定为艺术万岁。此次主题展将由9个主题展馆构成,中国艺术家刘建华此次在 时间与无限馆中亮相,展出他的经典作品方。以下为凤凰艺术为您带来的专题报道。

作品展现了威廉阿纳斯塔西和他的伴侣多夫布拉德肖如日常仪式般通过钢琴和歌唱表演科尔波特作品时的场景。阿纳斯塔西通过镜子拍摄自己。

西方没有那么多的考生,所以可以很好地做选择,还可以面试,而中国则不行,因为基数太大。他们是选择有个性的,而我们只能按照标准来做,庞茂琨说,如果我们现在按照西方的那种方法,每一个考生的作品都讨论下来,估计需要大半年。我们现在需要在一个月的时间内从这十万名考生中选出一千人来,我们从全国30多个省和地方把这些试卷收集起来,每天从早到晚不停地阅卷才做得完。

展览地点:威尼斯绿城花园、军械库展区等

▲上海民生现代美术馆

2017年5月7日,庞茂琨的最新个展《折叠的肖像》在北京艺琅国际展出,由黄笃担任策展人。本次展览将呈现艺术家庞茂琨近期创作的7件油画和31件素描、色粉等作品。凤凰艺术此次专访庞茂琨,为我们带来他作品中的时间、空间上的并存或交错,以下为凤凰艺术的独家报道。

▲刘建华作品方局部细节

一种影响人类感知的外在能量在此呈现:慢速播放的竹子被砍断的图像实实在在地展示了这种不可见的力量。观众被邀请在每个现象中观察外部力量的存在。

▲折叠的肖像庞茂琨新作展一楼展厅

Q:您如何理解本次展览的大主题:艺术万岁?

透明的声音展览信息

在西方,他们就是先在预科班里自由发挥,到了本科,再自己想办法,找路径,找到后再进入硕士研究生阶段,而博士生就是在此基础上继续深入研究。他们那个体制进入大学之后,就像进了一个大工厂里面,所有的图书馆都是开放的,也可以在里面做创作,每个房间都有玻璃,是透明的,圣马丁学校也是这样,能看到每个房间里的人都在做什么,每个车间和工厂都可以用。比如我是画画的,去申请做雕塑,他就从技术上给你准备好,你想做什么都可以,甚至帮你达到你想要的效果。这个方法对个性创作还是有好处的,但中国还在是做分科。

刘建华:我觉得政治上的万岁和艺术上的万岁是不同的概念,两者有较大距离,不能只因为一个名词而有先入为主的框架,这样我们可能会落入某种陷阱。因此我不太同意这个问题中提到的万岁与权力、政治的关联性。当然艺术与政治间的关系已经有多年的探讨甚至争论,也由社会环境、文化语境的转换而不断变化着,到现在也并无定论。或许这就是它的魅力,艺术与政治有时会产生关联,有时又会变得陌生、毫无关系,所以它不是一个绝对的命题。政治与艺术都一样,在当今,无处不在。

《此处时间长流》是一个给观众新体验和视听范式的装置。图像,无论是瞬间的还是含蓄的,缓慢铺张并互相覆盖,揭示了它们转瞬即逝的性质;它们如同一个描写静谧风景和空间的长布。

▲庞茂琨《戴眼镜的圣女》116x91cm 2017

Q:这次来到威尼斯双年展参加展览,与过往的想象、感觉或经验有何不同?

▲朱莉瓦谢尔《福尔磨沙声学计划II》影像 2016

庞茂琨谈中国艺术教育

主题展参展艺术家刘建华

小屋是一个微缩的放映厅。它是博物馆里的博物馆,观众通过目光来进入穿透它,与世界抽离,获得里面微缩人像的沉思体验。

从大学毕业到研究生这个阶段,就突然开始了这种变化。在这之前就是学的苏派,苏派之后是印象派,后来也画过抽象。但真到了研究生出来以后,还是回到了古典艺术里面,总觉得里面还有很多东西是我很缺乏的。它整体的精神,就是从神回到人本身,自己创造世界,以人类为中心。这个观念,我以前也有,但它还没有如此强烈。

总策展人:克里斯汀马萨尔

▲开幕式现场:《透明的声音》策展人詹姆斯吉鲁东 发言

▲庞茂琨《再古典NO.7》35x24cm 纸上铅笔、色粉,2017

▲ 第57届威尼斯双年展拉开帷幕

▲达尼亚雷蒙《未完成的格陵兰》影像 2012

主题:折叠的肖像-庞茂琨新作展

▲威尼斯双年展展馆现场,刘建华的作品布展现场

作品标题则来自于该处理方式,它避免了具象呈现而保留了整体。剩下没有被用到的材料,则被称为《幻影》。

庞茂琨透露了这件作品在创作时的一些秘密:在最开始,想到我可能会递给他中国的传统山水画,或者是花鸟画,书法等等,这些东方和西方的交流。但这个方案后来被我自己否掉了,我就想到了这样一种方式。

刘建华:我觉得当今的社会现实所谓的动荡、全球化的困境,其实在社会发展的历史中都会遇到各种不同的问题。而最重要的一点是自由自由、独立是艺术及艺术家们最为核心的、内在的价值与内涵。只有这样才会对当今的现实产生有意义的价值贡献。

这张平静的脸又一次出现在展览中,它是一个漂浮在墙上的魂灵,通过它的观察,参观者成为了被观察的物件。展览到此结束。这个对称的新空间把观看者和被观看者的角色转换之后,预示着参观者可就此打道回府。

▲开幕现场,艺术家岳敏君、岳敏君夫人、艺术家杨千

钢板上突然冒出的莫名金色液体,是物质在形成过程中的一个中间形态,这种形态的升或降既是时间性的,也是情感性的。刘建华希望作品与空间可以产生一种关系或情绪,人在进入空间后,这种形式的感应会影响到观看方式,并对一些事物的判断和认识产生一种新的可能。

▲开幕式现场:嘉宾合影

▲折叠的肖像庞茂琨新作展 二楼展厅

▲开幕式现场 人山人海

艺术家:庞茂琨

▲蒂耶里德梅《无声!》影像 2004-2010

黄笃

▲马特可可《幻影》装置 2011-2016

表面上是又回到古典了,其实不是回到古典,我是在利用它在说另外的事情。目的就是和它对话,就是自我和经典之间进行交流,这是我的重点。利用它原封不动的东西,来进行情景式的改变,如果把整个风格改变的话,就完全没有对话的意义了,那种改变是单向的,我需要一种双向的改变。

该作品像是一片智能手机的森林,每部手机互相联系,倾听,应和,像萤火虫般发出光亮。笑声被用作为声音素材。装置调节了节律,充分利用了这一快乐且人性的素材,同时它们也不失动感和古怪。

在这组折叠的肖像画中,庞茂琨说,其中现代人物肖像是出自于他在朋友圈里发起的一个项目,而古典部分就是对经典的一种临摹。而现代人物肖像的项目就是在上一次关于镜像的主题中演化而来的,那是关于自拍这个符号。就像希腊神话里的纳喀索斯,爱上自己在水中的倒影,最后憔悴而死,变成了水仙花。当时庞茂琨画了100幅现代人物自拍的肖像作品,后来做成了一本书。

在热尔兰公园内也会树立起以视频和彩色环境为基础的视觉作品作为互文。

2017年5月7日,在北京艺琅国际举办了折叠的肖像庞茂琨新作展。策展人黄笃说,庞茂琨新近创作的肖像画给人以一种熟悉的陌生感。他的图像源于经典绘画,又疏离于经典绘画。他的肖像画触及到对经典绘画的延展,即通过对经典绘画的挪用和重置以达到解构和建构。庞茂琨之所以用折叠的肖像,是因为它蕴涵其中的形象在时间、空间上的并存或交错,甚至与他者的相遇和交流。

▲多米尼克布莱《椭圆》装置 2010

其实在整个观看的过程中,如果说文艺复兴时期的达芬奇、拉斐尔这帮人,他们也画宗教题材,而那恰恰是中世纪时期,甚至是基督教早期的一些题材。而如今在庞茂琨的这些作品里,似乎有一种三重对话在里面:当代与文艺复兴、文艺复兴与基督教早期。在这个问题上,庞茂琨说,在这点上而言确实是可能的,因为那时候已经不是中世纪的思维了。中世纪就是人本身并不重要,必须将一切规范到神那里去,所有绘画的指向都是神圣的。

《Aminots》把来自公园绿地多处的声响播放出来。声音的组成是根据不同时刻,基于三种类型的不同声响完成的。第一种类型是模拟自然的声响,它和我们可以在公园、花园和乡村随处听到的一样。第二种截然相反,它是文化属性的,比如乐器、人声和合成声响。最后的第三种模糊地介于自然声响和文化声响之间。

就像庞茂琨曾经做过的一些画作和系列,就像是镜像的一个部分。人物的凝视不仅仅限于画中人物与观者之间,也存在于画中人物与镜面,画中人物与画中人物之间的凝视,甚至是画中人物与手机等等。它无不透露着人与自身,或与他者之间的关注。而在这次的新作品中,它展现了一种跨越时间与文化之间的凝视和对话关系,或者说是折叠。

▲展览现场:帕斯卡弗拉芒《居民》

凤凰艺术记者第一眼见到庞茂琨时,他戴着一副眼镜,在画廊二楼的一个展厅中,和蔼而又可亲,当我们坐下,得知记者也是重庆人时,言语中又更加地亲近起来。庞茂琨是地地道道的重庆人,1978年就读于四川美术学院附中,后获得油画专业硕士,多年来,他一直坚持探索古典油画语言在当代文化情境的表达与呈现,将个人的艺术创作熔铸在当下社会现实之中,现在就任于四川美术学院院长一职。当有朋友说他的新作品在形式语言上没有变,还是用的古典的技法时,庞茂琨说:我的用意恰恰就是不能改变它,我要用一种综合之后的,重新蜕出来的一种大的改变。

声响和画面间的平衡重新组成了一个新时空,一幅精神地图。观看者的心只需随着装置引起的波澜飘荡直到达到完满的境地。

展览时间:2017. 05.07 -07.02

▲马特可可《起舞之前》影像 2016

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▲帕斯卡弗拉芒《居民》装置 2005-2016

庞茂琨认为,回到人本身,这是非常重要的,中国很缺乏,所以他喜欢古典主义。从这当中慢慢激发了审美,但作为创作来说,还是要摆脱这个东西,因为那是他人的经典,或者说是世界的经典,不可能完全模仿:

这也是一个合作完成的作品,最早是跟现代舞舞者伯努瓦高赛,后者第一时间完成了一幅从乐谱衍生出来的灵声之毯。声像是缺失的部分,但它同时也贯穿了所有部分。它给了所有观看它的人一个虚构幻想的可能。

在谈起庞茂琨为何喜爱欧洲文艺复兴时期的油画风格时,他回答说,他从小就喜欢古典绘画,但一直想摆脱它,想尝试各种不同的风格。当问及何时开始有这种想转变的想法时,庞茂琨说:

五十年代时,音乐以首席数码艺术的身份出现,电脑被用来创作乐谱和合声。这段时期在法国和德国,具体音乐和电子原音音乐的崛起也引人注目,它们把音乐的声响从纯粹工具化以及编码化的源头里解放出来,同时将它们放入了一个多维的空间里。

纵观庞茂琨的作品,我们感受到他依附于时代,同时又与时代保持距离。庞茂琨的绘画敏锐洞察和触及到人的存在。庞茂琨以独特的视角与特定的艺术观念充分表现了人的价值与尊严。正如德国哲学家马克斯舍勒所说,在一切价值的序列中,人格的价值是最高的价值。

已有的《Animots》处于自己的微缩世界中,它和公园内的生命体完全独立。与其正相反的是,《绿色声音》是一个互动装置,它受到聆听者的操控。后者和装置的操作界面就是他本人的智能手机。只要下载一个应用,它便可以把新事件的元素加入和递补到《Aminots》的声响中,类型、空间性和速度都可以通过自己的动作展现出来。

▲庞茂琨《阅读者》2017

通透感在被倾听的过程中,声响在人们专注于静默的时候被发觉出来。这里展示的装置艺术在虚实间展现了边界和属性的不可能性,它们把不同艺术领域间存在的复杂关系铺展开来,它们是自由的、离散的、不和谐的、甚至完全嵌套的。

▲展览现场:米歇尔弗朗索瓦《水的悬滞》

《此时此刻》是一个2000年启动的持续至今的艺术项目,它包含了许多装置作品,其中有:《此时此地》、《玻璃书》、《水晶乐谱》,它们塑造了不同形态的艺术作品。这些模块化的装置由两百余件写在玻璃上的乐谱构成,每个展览都是一次新的创作,艺术家会根据其空间设计出一些想象性建筑。

听觉和视觉在这个作品里相遇,但这两者并不具有同步性,声音让文字消解,而文字又回归声音。形式在作品中成为内容,混合了两种不同的视角,打破了想象中的重复的形式,造成了一种怀疑和意想不到的效果。这种即兴的形式体现了两种媒介的透明度。这片有声纸既是物性的又是非物化的。声音与视觉的结合互相物化又脱离物化。这些过程的基础是观众的存在,互动会把一切以极简的姿态呈现在这张小纸片上。

▲米歇尔弗朗索瓦《在霓虹灯上走过》装置 2004-2016

社会学家多米尼克卡东分析了神奇的逻辑算法带来的面具效应:算法如何运行是一个不为人知的秘密,个体越是通透,那些观察他们的人就越发模糊。被揭示的真相似乎在一个漂浮的宇宙中演进,没有人能知道它们的缘由和出处。所有都在那里,都被隐藏起来。。。

乔治梅里爱最早使用的电影效果之一在这里被重现,用来审视了一切生命体的存在。

世界从未如此神秘

这是2006年第一个《听觉义肢》雕塑的更新版本,两个塑料圆锥聚焦从听众两侧传来的声响。通过增强声响并把左右耳对声响的感知分离开来,它在对音景的感知中创造了奇特的声觉效果,表现出多重的细微声音,而这些都是通常情况下是听不见的。听众可以不停地改变听觉选取角度;哪怕轻微的动作就会改变接收到的效果,这会促使聆听者调整并采取特殊的动作。

最终,在不可预料的一刻,水滴坠落,并创造出一个独特的声音事件。它们带着强烈的回声,诗人的只言片语从中流露出来。沿着这条光的小径,液体从黑色到明亮的红色,看起来像是心脏或肺脏在经过所有命中注定的劫数后获得了重生。观看者可以长时间地端详、倾听,以等待命中注定的下一刻。

▲开幕式现场:中国民生银行总行办公室主任陈国强 发言

▲邓悦君《O》声音装置 2015

这些微缩人像被放置低温表面上。水蒸气渐渐凝结了冰。居民们慢慢不可避免地被冰霜吞噬。

▲帕斯卡弗拉芒《灯的精灵》装置 2014

作品展示

安东尼奥尼的剧本描写了一个居住在世外桃源的族群的最后时光,他们将会面对突如其来的冰川期。电影大师强调了风景遭受的状态变化。

声响在几条轨道上传播,占据了整个空间,并在游走其中。它们通过听觉来开拓视觉。安装在六个播放地点,它们把观看者置于注意力极度紧张的境地。

借助智能手机里数码声像的运用,这一作品的核心是把音乐行为通过电子原音的音乐网络显现出来。物件间的交流是通过低音喇叭和手机麦克风完成。这种环境局限反倒可以定义出一种音乐生态系统,其中人的行为会成为所在空间组织和声觉环境的支配物。人只需要在《智能领域-嬉游曲》出现便会打破整个环境的平衡和演化过程。

▲展览现场:托马莱昂《玻璃房子外景勘察》

它在此呈现了福岛在2011年三月海啸之后的景观。这幅在网上找到的照片经过颜色剥离之后,创造出了该事件的抽象化效果。具象被重新勾勒然后层层分割。

▲玛侬德波尔《两次4分33秒》影像35毫米胶片、彩色 2008

▲开幕式现场:法国驻华大使馆文化参赞罗文哲 发言

玛侬德波尔邀请了居住在布鲁塞尔的钢琴家让-吕克法尚在当地的表演艺术研究及训练馆现场表演了两次约翰凯奇的名作《4分33秒》。第一次表演时,摄像机捕捉了他对于这一沉寂的音乐创作的演奏,以及他在三次停顿处掐了秒表,这是3次约翰凯奇分别标注在1分40秒,2分23秒和30秒时的停顿。由于使用35毫米胶片拍摄,都确保了细腻的画质;而第一次表演更是与录制现场的背景音响完美同步,这在整部影片播放时会通过杜比环绕声放送。但到了影片的第二部分,也就是第二次表演时,德波尔剪切掉了所有声音,唯留在1分40秒,2分23秒和30秒时的停表声。长镜头从法尚开始逐步移向他的观众,最终移到了场馆门外,在市中心边缘的地区景观,随即被通讯电线和防风林阻断;这一切听不到。第二次表演在电影中的表现需要依赖于现场观众中沉寂下来的氛围。

这些微缩人像被放置在大约4平方厘米的冷冻装置表面。在零下20摄氏度的环境里,它们一点一点被冰粒吞噬。

▲展览现场:杨奥拉瑞,塔菲克工作室《72击》

有一天我会不解释就离开,带着一个不属于我的收录机。我会到处旅行,尽管不远但是次数很多;记录下我生命经历的种种事情。《杂合子》就这样诞生了。它是第一部我称之为故事性的作品。也就是说我想创造一种介于音乐和情节中的语言。

第一时间我们就会先注意到图像的不稳定性、人像的不可捉摸性以及背景的缺失。被抓取到的细腻动作揭示了身体的沉重:即便大地没有现身,它仍可以通过丈量之脚的重量存在

▲多米尼克布莱《无题》装置 2012

和它隶属的影像屋系列一样,《驶入》让参观者抽离自我潜入那两个观看投影的微缩人像。

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《几乎没有》的一个主要特色就是叙事性,其意义不仅仅在于讲述一个故事,而是厘清发生某事在某地的时间。和已知地点的声音不同的是,艺术家在此使用和指派的日常物件通过极简非事实叙事的理念让人徜徉于时间之旅中。日常声响构成了超越日常行为的元素。它要告诉我们的是始终有晦暗不明的东西在那里。

▲透明的声音展览现场

▲展览现场:帕斯卡弗拉芒《灯的精灵》

投影在墙上的3D影像结合了展览空间的结构与透视关系。观众必须站在特定角度才能关注到数字影像与展场空间之间的关联性。如果在其他角度观看墙上的影像,将丧失作品与空间的透事关联性。这样的观看作品方式凸显了我们在现实生活中对于实与虚之间的混淆议题。

▲江元皓,克里斯提安里佐《Fom1》影像 2011

微缩装置系列

《移动音乐》是通过电子原音音乐设备呈现的音乐概念,该设备的八个扬声器环绕着观众,或者令后者通过佩戴耳机,使之感到空间感。在民生美术馆呈现出的是最新版本。该装置利用了声音事件通过传播,声轨速度和幻听效果创建出的动态所便表现出的时空视觉。

《72击》是一个包含艺术家、开发者和技术工人的合作项目。

展览地点:上海民生现代美术馆

▲米歇尔弗朗索瓦《水的悬滞》装置 1998

《银制水印》

▲展览现场:邓悦君《呓语》

装置作品《绿色声音》通过科技手段,让公园和花园的视听环境通过一个展览空间得以显现。

来了一只穿着夜间便鞋的独角兽,它的眼神充满悲悯;它就这样来了,我们把它写进了催眠的经书里。罗杰科瓦尔斯基《致悲悯的鸟》

展览时间:2017/05/08~2017/07/30

▲吕克费拉里《杂合子》录音带音乐 1964

▲帕斯卡弗拉芒,让-弗朗索瓦艾斯塔杰,亨利-夏尔卡杰《此处时间长流》声音及视觉装置 2006

▲帕斯卡弗拉芒《影像屋》装置 2009

▲皮埃尔-阿兰雅弗雷努《绿色声音》智能手机与多媒体互动装置 2015-2016

这些多多少少根据手势按比例放大的曲线会创造出许多图案。断裂的音符微粒按照50到20 微秒也就是每秒钟20到50拍的速率变化。它就好像一个银制丝线,线条相互交织,新音符都挂在电脑编制的线条上,由前一个音符包裹着。同样,音符并不是取决于书写,而是动作的瞬间。

《无限》是两只相同耳机的组合。这两个装置起先是被拆解然后又被装配起来,一个耳机被反方向放置,最后相邻排列,两个耳机合一,形成完美对称。一个隐藏起来的音响播放器会播放超低音声响的背景音乐。两个重叠的音响势必会把本来禁锢在腔体里的声响释放出来。通过个人听音器械的使用,这个作品把裸耳无法听到的自然声响频率封闭起来,它们是由艺术家在北极收录的。该装置组合的复古造型让人不能不想起无限的象征意味,它是自身的往复,我们可以想象声音分子在不断进化直到生命的永恒。

▲王福瑞《电磁音景》声音装置 2012

▲帕斯卡弗拉芒《不动心》物件 2010

也就是这样,这些浸润在崇拜隐秘和通感的混合作品与其他建构交汇,视觉和听觉在不同轨迹间穿插,陈设在非物质性的空间内。这些表达方式将我们置于我们个人对于世界的感知以及对现实的连接之中,其中我们自我的一部分会投射在一片云雾里:人类已经成为整个浮世的感知者。

作品《O》表现了100个人同时发出元音o 的情景。声音会被刻录到100颗个性化的芯片里然后再植入到100个光电昆虫里。当成群的昆虫受到光线照射时会发出o的声响。o的噪响与持续根据光线强度的不同而变化,由此谱写了一曲o 的交响乐。

▲吕克费拉里《几乎没有2号》录音带音乐 1977

《来了一只穿着夜间便鞋的独角兽》

▲皮埃尔-洛朗卡西埃《听觉义肢》雕塑 2013

▲米歇尔弗朗索瓦《墨的悬滞》装置 1999

我曾如此爱过玻璃,它是一种凝结的水、在指尖可有可无,它持久而脆弱,是灵魂所在。玻璃是凝固的气息,它也是我们吐息沿着图案刻画最终消弭的边界。

展出的大多数装置都是以空间化设计为基础的声学建筑。作品《72击》的组成部分有六个镶满 led灯棒,以及投射出多重图像、装饰、和声音轨迹的撞击器。《72击》可以被理解为一个空间的穿梭,在那里声响无影无踪,线条和物质在星辰空间里产生和崩塌。而在皮埃尔阿兰雅弗雷努的作品《绿色声音》中,观众可以自行创造出不同的组合,而在皮埃尔洛朗卡希尔的作品中,观众则可以通过声音再造体验声学空间。

这段打击乐通过CLCE互动装置和同步器以及采样机联系在一起。音符好似被串起来的珍珠,在演奏者的赏玩中,它们会被串在电脑勾画出来的弧线里。

▲邓悦君《呓语》声音装置 2015

▲托马莱昂《玻璃房子-外景勘察》影像 2011

艺术家在这个装置作品上运用了诸多日常光线和声音传播器具。他把这个平时少见的材料放置在装置中,给其带来一种雕塑式的表现力。通过动态或者静态感受器,多米尼克﹒布莱创造出了可视和不可视、可听和不可之间互相对话的剧本。他的作品都有极强的表现形式,它们尝试糅合临界状态,刺激我们的感官,扰乱我们的知觉,让我们洗耳恭听周遭的世界。

数码生活开启了确定存在的新领域。它引起了表达方式的大爆炸,它自我完善着,建起了分享平台把我们投入到无限网络里的躁动中。正如展览主题所指出的,通透,是业已普及的数码化与生俱来的性质,它也是一个标准:它成为了所有社会维度的操作模式,即便它也会产生和本体相悖的效果。许多关于数码社会的研究阐述了社会关系的同质化过程、不平等的再生和激化,已经角色扮演游戏的扩大化。

《72击》是由六支大型钢架构成的互动性声光装置。每个钢架由12支40厘米长的LED发光模块以及4个打击乐声音元素组成。当装置开始启动,动态的光线和声响组成了听觉和视觉的合舞。该装置是独立的,然而观看者还是可以和它互动;借助触摸板产生出诸多有深度的游戏,最终创造出属于自己逻辑的声响和光线。倾听者也就是观众可以深入这个震动着的作品,他们可以端详、可以产生动静,或和作为乐器的装置进行互动。

▲江元皓《见花又是花 II》影像3D动画 2013

在《Fom1》中,舞者的轮廓在烟雾旋涡中显现,而每当他身体在舞动时,他就会消失。编舞的选择是自相矛盾的,克里斯蒂安里佐这样强调道:作为排舞演员,我有想通过舞动来呈现自己,但在《Fom1》中舞动同时也会让我消失。

悠远而长久的回声相互交织 香气、色彩和声响互道回声

夏尔波德莱尔,1861年在《恶之花》中如是写道。这种想法在现代性的无意识审美中不停地激荡。

从声音的内部空间到它从高音喇叭阵列中传出,当代音乐把各种引人入胜的情境罗织出来,绘出了逃遁的线条并建立起了一座座听觉大厦。装置艺术中的透视概念在词源上和通透的概念紧密相关,并最终在听觉和视觉上消于无形。

《移动音乐1:七重天》展示了8个虚拟的微分音钢琴,它们由八个同样也是虚拟的钢琴师操持着。后者百无聊赖地演奏着庸常的音乐。出于一个神秘的原因,事物渐渐地失控,钢琴师们发疯般地开始了一场马拉松

装置《幻影》在30米卷轴的风景图上使用了图像炸裂的效果。

每隔一段时间,就有一滴,彷佛颗闪烁的红宝石,以让人晕眩的方式坠入光的细纹里。整个装置仅通过来自液体内部的光而被点亮。光线彷佛从盆中升起并在交汇时迸发出光亮。通过一个多点播放系统,模拟了翅膀拍击以及水滴穿过空间的音响效果。在一些更具有音乐性的片段里,黑暗和光明伴随着呼吸时断时续,夹杂着这段罕见背景音乐带来的静谧。

▲帕斯卡弗拉芒《替代》装置 2016

这个雕塑是一个转变聆听、感知声音环境方式的假体。它揭示了我们的耳朵无时无刻不仅仅是交流工具而且是辨向工具。

▲展览现场:帕斯卡弗拉芒,让-弗朗索瓦艾斯塔杰,亨利-夏尔卡杰《此处时间长流》

《椭圆》是由十六支三脚架上的麦克风组成,它们构成了一个在空间内倾斜的圆形变体,正如一个椭圆一样。在剥离了原始功能,并连上了(隐蔽了的)电脑声卡用以发出声响后,这些麦克风被逆向用作扬声器,以此重建起回荡在装置中的声响,描绘出一个充满悬念的椭圆效果。电脑程序会逐渐开启十六个声道,根据升速再降速的规则,让人感到每个声响分子在空间内划出的轨迹。通过反向的声音传播顺序原本的录音设备被当成音箱使用使得这个装置会给观众带来一种困扰,并会因为立体声音材料的重复性和催眠性而被放大。这个设备的静态面会与通过声音脉冲模拟的变速圆圈运动的运动产生对比。观众可以绕圈,也可以跟随声波频率尽情漫步。

新媒体创造了一个具有无国界特质的网络空间,科技实践了乌托邦的理想世界。我们开启了一扇又一扇通往美丽新世界的窗,那里,像似一个没有忧郁的国度,没有确切的制约与规范。这个世界为了每一个个体而构筑、存在、壮大。这里的一切是如此陌生、惶恐、充满新奇,却又如此熟悉、似曾相识,就像在自己的私密空间里一样自在。我们交流、分享、谈恋爱,但我们却永远只能在窗外。

《福尔摩沙声学计划II》是一个沉浸在动荡起伏中的装置作品。一个年长妇女的声音指示着一名年轻女孩如何寻找一块石头的过程。风景在影像和声响的来回中切换在现实和精神世界之间。人们在记忆的艺术、也就是记忆术的技巧里可以找到影像的灵感源泉,它出现在伊塔洛卡尔维诺的《看不见的城市》里,西塞罗《论演说家》里也有论述。精神空间的重建让言说的习得成为可能,它可以把物件转化成概念和图像,反之亦然。对物件的追求可以在它的去物质化过程中找到答案。诗意地唤起我们所处世界的2.0版本是我对台湾发现之旅的比喻。

▲青年学者、艺评家张未与策展人詹姆斯吉鲁东

这个作品展现了审美和象征趣味。它首先是观察到脚下的材质状态和质地转换带来的视觉愉悦:光洁的镜面让位于碎屑和尘土,唯留路中央白色印痕。霓虹灯的使用重新拾起了关于日常用品变形的主题,艺术家自己这样解释:物件丧失了他们的作用这是绝对的废弛,这些物件仍然保有记忆,但我们却不再使用它们了。

帕斯卡﹒弗拉芒的微缩装置使用了和大型作品一样的浸入式思维。无论大小,这些装置和机器与观看者形成了一种等量的亲密关系。不管是调整视野凑近看微缩人像,还是在装置作品《此处时间长流》中层叠出现的全景式远观,在这两种情况下,都有同一种想法意欲把我们置于世界的中心,它让我们可以用新的眼睛来发现世界,好像我们是远方星辰的来客。

▲格里高利沙通斯基《地平线》影像 2016

十八世纪起,被发明出的机械数之不尽,比如天主教修士路易贝特朗卡斯特尔发明的可视化羽管键琴就被用来创造出彩色音乐。二十世纪也不乏有新式乐器登场,比如弗拉德米尔巴拉诺夫-罗西内发明的八频钢琴和彩色光谱投影。

《墨的悬滞》是黑色不透明版本的《水的悬滞》。这些装满黑色墨水的塑料袋积累并悬空于地面上,形成一个球状的雕塑。这一空间中的悬浮是一种暂时的悬浮,雕塑以重复姿态的集合体现形暗含脆弱和危险的时刻来临,并呈现了一种对世界未来的悲观看法。

在这个社交网络大行其道的年代,每个人都被炫了出来,真实和通透之间的混淆造成了幻象:后者采取的方法是累加数据以及不断过滤愈加复杂的现实。它试图让我们忘记数码混沌里的模糊性,但同时所有对真相的搜寻都会选择性地进行保密和暴露。而相反的是,围绕着完全通透的概念,一个并不明细的架构已经或即将被建立起来。通透同样也揭示信仰,就像大教堂里的彩绘玻璃一样。和宗教教条不同的是,展览通过不同的情境把我们带到了一些明亮的空间,它解开了层层面纱把我们变成声音、图像和有时不曾感知到的领域的窥探者。没错,世界变得越来越通透,因为它从未如此非物质化,如此反应神速;同时这种状态也把个体间隐匿维持着的持久联系变得悄无声息。

皮埃尔-阿兰﹒雅弗雷努、米歇尔﹒弗朗索瓦、帕斯卡﹒弗拉芒、王福瑞、多米尼克﹒布莱、斯特凡﹒博瑞尔、克里斯托弗勒布雷东、德尼﹒凡桑、皮埃尔-洛朗﹒卡西埃、马特﹒可可、杨﹒奥拉瑞、让-弗朗索瓦艾斯塔杰、亨利-夏尔卡杰、朱莉﹒瓦谢尔、达尼亚﹒雷蒙、江元皓、克里斯提安里佐、格里高利﹒沙通斯基、威廉﹒阿纳斯塔西、蒂耶里﹒德梅、吕克﹒费拉里、玛侬﹒德波尔、托马﹒莱昂、李雨航、邓悦君、萧昱

▲德尼凡桑《此时此地》声音装置 2000-2012

充满水的透明塑料袋被系成串,悬空于地面之上。该作品运用了雕塑作品特有的物理张力米歇尔弗朗索瓦好像在空中抓住了难以捕捉的自然实体,比如元素,从而让坠落前的那微妙一瞬在此凝固。

微缩机械与影像的结合展示出了诸多简易元素,比如寒冷、时间、生命体等等。它们呈现在有点抽象的排序中,其意义在于我们必须在其组成成分的基础上提出质问。这些小装置让气氛活跃起来,它们让我们思考人性、意识和存在之间的关联。

一颗心脏被放置在平板上,它有节律且安静地跳着,毫不紊乱慌张。

音乐性通过科技不断的协调,在这个不同领域混杂的结构中占据了核心位置。音乐作为传播的艺术,借助复杂的创新科技从未停止其更新的脚步。

我们可以将社会群体中的单一个体视为一个点,人与人之前的连结与交互作用视为线。大量的链接与交互作用则组织出面。在恒常的间轴里,每个个体的出现、停留到消失是如此短暂。我们透过光做为与其他个体联系与沟通的桥梁。彼此间的连结发生在瞬息之间。庞大的连结与交互作用中,不断触发的昙花一现构筑出你我的存在空间、拼接出无质量的网络世界。无边境的虚拟数据平台中被刻写着我们试图留下曾经存在的轨迹。

▲德尼凡桑《手写乐谱》乐普 1990-1998

▲多米尼克布莱《无题》装置 2012

主办单位:上海民生现代美术馆

▲萧昱《想太多就会......》影像 2015

它是一种对自然环境隐喻化的虚拟重建,某种程度上也是一种分离,一种视听景象的转化。它的效果参考了2000年在里昂热尔兰公园里落成的永久装置作品《Aminots》。

多米尼克布莱通过一系列砂岩板带参观者进入了一个声响世界的漫游中。

▲帕斯卡弗拉芒《影像屋,驶入》装置 2014

光线和材料的结合让住在这个装置里的精灵有了生命。

除此以外,一个身影突然向前并舒展开,舞动几下后消失。影像的出发点是对东西文化中空间透视感和表现里的思索,它提醒我们没有人类不成风景。此外,没有观点,风景亦无处可寻。

我现在已经不再抽象、具象和现实主义间进行区分。对我来说问题是:使用已有自身逻辑的事物进行创作。

《无题》始于2008年,它起初分布在整个展出空间。大多数烧制好的陶土圆环在地面向外拓展,其他的则吊在电机上拂过静止的元素。和谐而微妙的摩擦感就这样被创造了出来,好似催眠的芭蕾,一首由段落随机搭配出的歌谣。

《透明的声音》是以透明为主题的声音艺术群展,云集26位艺术家的45组件听觉和视觉杰作。展览中大多数装置作品以空间化设计为基础,借助各种透明材质或发光材料,传达出了透明所含的光学状态以及视觉表达能力。展览中,声音在人们专注于静默的时候显现,一个不辨虚实的听觉世界被发觉出来。整个展览将穿梭在声光波之间的系列作品联系在一起,开创出了不同的视听场景,吸引参观者主动参与其中。在参与的过程中,不同艺术领域间存在的复杂关系在美术馆铺展开来,给参观者呈现出一种自由的、离散的、矛盾的、甚至完全交错的感受。

一个浸入式的声光作品

▲威廉阿纳斯塔西《卷心菜沙拉》影像 2003

对于可视化的追求建立于一种相当明显的模糊之上,它保留了强权,躲开了一切个体的审查,即使对于一个拥有发达大脑的人类也不例外。由于时间或者空间多重分裂的加速以及数据的疯狂叠加,通透可以让人辨明这世界的喧杂和混沌,而非这个世界和对它的解读。

我们苏醒着,在被错当成永恒的当下日常生活中不断演化。该装置尝试着把这个悖论摆上台面,作为意识的放大器,动员我们的感知力,作为意识的放大器。

▲江元皓《见花又是花》影像3D动画,光雕投影 2010

展览名称:透明的声音

一个整合的科技

▲展览现场:米歇尔弗朗索瓦《在霓虹灯上走过》

《玻璃房子-外景勘察》,这一声音与影响装置,它的灵感来源于谢尔盖爱森斯坦的未竟之作;它通过引入现代建筑元素,发掘了爱森斯坦《玻璃房子》项目中的建筑灵感。装置由一个六个扬声器组成。视频的背景音乐由巴氏水晶琴录制。该装置安装于1952年,由调校好的彩色玻璃杆组成,演奏者只需拂过手指就可以演奏。玻璃的震动由不同长度的杆通过不同频率传导至金属盘上。玻璃纤维和钢制成的共振器用来放大声响。背景音乐就像铺张开的声响全景,它和图像相互回应给予一种深入声响当中的感觉,就如同深入一个建筑的内部一样。

2017年5月8日,由上海民生现代美术馆主办的展览《透明的声音》开幕。本次展览由詹姆斯吉鲁东策展,里昂国立音乐创作中心为上海民生现代美术馆特别制作。展览为2017年中法文化之春主要活动,并得到里昂法国文化中心和瓦隆-布鲁塞尔国际关系署的鼎力支持。以下为凤凰艺术为您带来的现场报道。

我们称之为当下意识的东西其实是一种在记忆和期望、回忆和欲望、追忆和守望间的长期摇摆。回忆是大脑的重构,它动员分布在我们众多神经系统中的许多回路、无论是隐秘的还是分裂的。

▲斯特凡博瑞尔,克里斯托弗勒布雷东,随机实验室《智能领地-嬉游曲》数字环境下的互动装置 2016

对我来说,其意义不仅仅导演了安东尼奥尼的作品而已,更是把虚幻的剧本放到虚拟媒介中演绎。图像用合成图片重建了冰川图景,同时也展示了创作的所有过程

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